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Ruth Antonofsky

Nueva York (ILN).- Ruth fue una norteamericana comprometida de lleno con el teatro en español de Nueva York.  Nunca faltaba a las funciones de Danizarte, y también asidua concurrente junto a su hija Alicia Kaplan a toda función de este grupo, del cual era miembro fundador y principal eje de su Comisión Directiva.  Se refería a sí misma con mucho entusiasmo como madre, abuela, bailarina, actriz, poetisa y liricista, todo en orden de importancia para ella.  Era miembro de SAG – AFTRA & AEA y estaba orgullosa de serlo.  De figura grácil y esbelta, cultivó la elegancia con un perfil medido y un sofisticado aprecio por lo clásico y todo aquello que denotara una marca de buen gusto.

De una belleza serena y una lozanía que conservó hasta sus últimas apariciones en público, Ruth había nacido en un  barrio de Nueva York, el Lower East Side (Loisaida) en una época en que los primeros grupos de puertorriqueños y  latinoamericanos comenzaban a venir a la Gran Manzana.  Fue un 31 de diciembre, 1919 en que nació de una familia proveniente de Kiev, Ucrania y Galicia, España.  Su padre fue Louis y su madre Fanny Antonofsky.  Tuvo tres hermanos: Max, Nate y Morris.

Comenzó su carrera artística como bailarina de ballet cuando se mudó, junto a su marido Bernard Kaplan, a la ciudad de Caracas, Venezuela.  Allí fue como pez en el agua…  Como bailarina, logró posesionarse muy bien comenzando una interesante carrera en el ballet clásico.  Lo curioso fue que cuando llegó a esta capital sudamericana, había muy pocos bailarines varones.  Ruth solucionó esto aprendiéndose de inmediato las partituras de los bailarines varones para cuando tuviese que suplantar a los escasos bailarines clásicos  en la Caracas de mediados del Siglo XX.

Sus créditos profesionales la ubican como bailarina y coreógrafa en el Caracas Theater Club, también lo hizo para Maria Luisa Escobar en el Teatro Municipal y para Canal 5 de Caracas.  Bailó con la Compañía de Ballet de Nina Novak  y para el Ballet Nacional de Venezuela.  Ruth Antonofsky también mantuvo su propia escuela de ballet en Caracas.

Otro proyecto de Ruth fue la creación del trio “The Antonettes”, (Las Antonietas)  con sus hijas Betty (hoy consagrada cineasta)  y Alicia Kaplan (madre de actores, actriz y fundadora y directora teatral) , con las cuales participó en programas de variedades por televisión y recorrió todo Venezuela.

A su regreso a Nueva York, Ruth estudió drama con Sonia Moore y participó en varias obras aledañas a Broadway, sobresaliendo en una interpretación de Madam Grusinskaya en la obra Grand Hotel.

Ruth contrajo nuevas nupcias con David Dardick, inventor de una innovadora pistola para tiro al blanco.  Festejó el hech0 de haberlo conocido en el funeral de un primo de ella,Bernard Herrmann, famoso por componer los fondos musicales de las películas Cape Fear, Taxi Driver, Citizen Kane.

Llegó a lucir su exquisito rostro en muchas películas, novelas y avisos publicitarios.  Ella participó junto al actor Antonio Banderas y a Jennifer Connelly en “Of Loves and Shadows”, basada en un libro de Isabel Allende y dirigida y producida por su hija Betty Kaplan.

En 1982, fue coronada como la Muchacha Dorada.

Para coronar una fructífera labor como madre y artista, Ms. Antonofsky escribió poesía, y un libro para niños inspirado en su hijo, Roger Paul.

Su muerte después de una prolongada dolencia, ocurrió el 27 de octubre de 2012.  La sobreviven tres hijos, Betty, Alicia y Roger Paul Kaplan, sus nietos  Daniel Louis  Rivas y Sara Rivas, una pléyade de queridos sobrinos, así como innumerables amigos, admiradores y conocidos de esta gran dama de la escena y el ambiente artístico latinoamericano de Nueva York.

El año pasado, casi medio millón de personas presenciaron las obras teatrales del Festival, que además ofrece talleres, mesas redondas, pasacalles, encuentros con artistas y conciertos musicales del festival.

Santiago de Chile.- El festival internacional de teatro “Santiago a Mil”, que arranca hoy y que se extenderá hasta el 20 de enero, festeja en esta edición sus veinte años de existencia con 71 obras, 34 de ellas chilenas y 37 internacionales.

El certamen, uno de los más importantes de Latinoamérica, fue presentado hoy en el centro cultural Gabriela Mistral (GAM), con la presencia del ministro de cultura Luciano Cruz-Coke y la directora ejecutiva de la fundación Teatro a Mil, Carmen Romero, entre otros.

“Nos hemos convertido en una importante vitrina Latinoamericana, un polo cultural donde artistas internacionales de renombre hacen de enero una visita obligada por Chile”, señaló Carmen Romero.

Con motivo del vigésimo aniversario, se inauguró hoy también en el GAM la exposición “la historia detrás de la historia”, que recoge vídeos, fotografías, vestuario y escenografía destacada de las diversas ediciones del festival.

Asimismo, este año se ofrece el “Ciclo Memoria 1973-2013″, que evoca los cuarenta años del golpe militar.

En 1994, cuando nació la iniciativa cultural, la cartelera constaba de cinco montajes chilenos, mientras que el número de asistentes fue de 10.000 personas.

El año pasado, casi medio millón de personas presenciaron las obras teatrales del Festival, que además ofrece talleres, mesas redondas, pasacalles, encuentros con artistas y conciertos musicales del festival.

Veinte artistas y grupos procedentes de países como Portugal, Chile o México componen la oferta musical del festival, denominada “Tocatas Mil” y surgida hace tres años.

La jornada inaugural correrá a cargo de los montajes chilenos “Redoble fúnebre para lobos y corderos”, de Juan Radrigán, “El Taller”, dirigida por Marcelo Leonart, y “Distinto”, bajo la dirección de Alfredo Castro.

En tanto, la banda chilena “Luma!”, que mezcla el rock experimental y progresivo con elementos teatrales, será la encargada de dar el pistoletazo de salida este jueves a los recitales musicales.

Ruth Antonofsky y Alicia Kaplan.

Por Nilda M.Tapia – Impacto Latin News

Nueva York (ILN).- Ruth fue una norteamericana comprometida de lleno con el teatro en español de Nueva York.  Nunca faltaba a las funciones de Danizarte, y también asidua concurrente junto a su hija Alicia Kaplan a toda función de este grupo, del cual era miembro fundador y principal eje de su Comisión Directiva.  Se refería a sí misma con mucho entusiasmo como madre, abuela, bailarina, actriz, poetisa y liricista, todo en orden de importancia para ella.  Era miembro de SAG – AFTRA & AEA y estaba orgullosa de serlo.  De figura grácil y esbelta, cultivó la elegancia con un perfil medido y un sofisticado aprecio por lo clásico y todo aquello que denotara una marca de buen gusto.

De una belleza serena y una lozanía que conservó hasta sus últimas apariciones en público, Ruth había nacido en un  barrio de Nueva York, el Lower East Side (Loisaida) en una época en que los primeros grupos de puertorriqueños y  latinoamericanos comenzaban a venir a la Gran Manzana.  Fue un 31 de diciembre, 1919 en que nació de una familia proveniente de Kiev, Ucrania y Galicia, España.  Su padre fue Louis y su madre Fanny Antonofsky.  Tuvo tres hermanos: Max, Nate y Morris.

Comenzó su carrera artística como bailarina de ballet cuando se mudó, junto a su marido Bernard Kaplan, a la ciudad de Caracas, Venezuela.  Allí fue como pez en el agua…  Como bailarina, logró posesionarse muy bien comenzando una interesante carrera en el ballet clásico.  Lo curioso fue que cuando llegó a esta capital sudamericana, había muy pocos bailarines varones.  Ruth solucionó esto aprendiéndose de inmediato las partituras de los bailarines varones para cuando tuviese que suplantar a los escasos bailarines clásicos  en la Caracas de mediados del Siglo XX.

Sus créditos profesionales la ubican como bailarina y coreógrafa en el Caracas Theater Club, también lo hizo para Maria Luisa Escobar en el Teatro Municipal y para Canal 5 de Caracas.  Bailó con la Compañía de Ballet de Nina Novak  y para el Ballet Nacional de Venezuela.  Ruth Antonofsky también mantuvo su propia escuela de ballet en Caracas.

Otro proyecto de Ruth fue la creación del trio “The Antonettes”, (Las Antonietas)  con sus hijas Betty (hoy consagrada cineasta)  y Alicia Kaplan (madre de actores, actriz y fundadora y directora teatral) , con las cuales participó en programas de variedades por televisión y recorrió todo Venezuela.

A su regreso a Nueva York, Ruth estudió drama con Sonia Moore y participó en varias obras aledañas a Broadway, sobresaliendo en una interpretación de Madam Grusinskaya en la obra Grand Hotel

Ruth contrajo nuevas nupcias con David Dardick, inventor de una innovadora pistola para tiro al blanco.  Festejó el hecho de haberlo conocido en el funeral de un primo de ella,Bernard Herrmann, famoso por componer los fondos musicales de las películas Cape Fear, Taxi Driver, Citizen Kane.

Llegó a lucir su exquisito rostro en muchas películas, novelas y avisos publicitarios.  Ella participó junto al actor Antonio Banderas y a Jennifer Connelly en “Of Loves and Shadows”, basada en un libro de Isabel Allende y dirigida y producida por su hija Betty Kaplan.

En 1982, fue coronada como la Muchacha Dorada.

Para coronar una fructífera labor como madre y artista, Ms. Antonofsky escribió poesía, y un libro para niños inspirado en su hijo, Roger Paul.

Su muerte después de una prolongada dolencia, ocurrió el 27 de octubre de 2012.  La sobreviven tres hijos, Betty, Alicia y Roger Paul Kaplan, sus nietos  Daniel Louis  Rivas y Sara Rivas, una pléyade de queridos sobrinos, así como innumerables amigos, admiradores y conocidos de esta gran dama de la escena y el ambiente artístico latinoamericano de Nueva York.

Luis Carlos de la Lombana en “El Amor en los Tiempos del Cólera”

Por Augusto Navarro

La Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York, conocida generalmente por sus siglas ACE, dio a conocer los nominados en la categoría de Teatro para sus premios anuales, que serán entregados la noche del 14 de abril en el afamado club nocturno Copacabana, ubicado en la Calle 47 del distrito teatral de Broadway.

El presidente de la ACE, Fernando Campos, hizo el anuncio durante la muy lucida celebración del 45 aniversario de la institución en la Casa Puebla neoyorquina, donde también dio a conocer que la próxima entrega de premios será dedicada a Jorge Barón, figura cumbre de la televisión de Colombia, y la legendaria artista puertorriqueña Anita Vélez-Mitchell, quien a sus 95 años se mantiene activa en el medio de los espectáculos.

Durante la concurrida ceremonia, a la que asistió un gran número de conocidas figuras del ambiente artístico neoyorquino, el presidente emérito de la ACE y comisionado de honor de la institución, Manolo García-Oliva, alternó con Campos en la lectura de los nominados. Los nombres de los ganadores serán dados a conocer el domingo 20 de enero de 2013, ocasión en que se conocerán también los nombres de los premiados en las otras categorías que cubre la ACE.

En la fiesta aniversario de la ACE, uno de los momentos más lucidos fue cuando se le rindió un cálido tributo a la estelar Lupita Ferrer, allí presente, con motivo de su onomástico, día de la Virgen de Guadalupe, fecha que coincide con la de la fundación de la ACE, el 12 de diciembre de 1967. Conviene recordar que desde hace varios años la Ferrer es la madrina oficial de la institución.

El aplaudido programa artístico de la noche, que tuvo de presentador a José Inoa-Báez, contó con la participación del destacado cantante y comunicador Nazario Brea, que cantó el emblemático tema “New York, New York”, y concluyó con la presentación conjunta del tenor Alejandro Olmedo y la soprano Anna Veleva.

Empezando con el renglón de Producciones, en los apartados competitivos de Teatro, en orden alfabético, los nominados son los siguientes:

MEJOR PRODUCCIÓN / DRAMA: “El Amor en los Tiempos del Cólera” (Repertorio Español); “Mariela en el Desierto” (Repertorio Español); y “Muerte Súbita” (Bridge Playhouse).  MEJOR PRODUCCIÓN / COMEDIA: “Decime Qué Escuchás” (IATI); “El Deseo de Sofía” (88 Acting Studio); y  “Se Busca un Hombre Honesto” (Teatro Las Tablas).

MEJOR PRODUCCIÓN / TEATRO DE ÉPOCA: “La Callas y Medea” (Thalía Spanish Theater); “Como Estaba Escrito” (TEBA); y “El Corregidor” (Fenixusany). MEJOR PRODUCCIÓN / MUSICAL: “A Tres Voces” (Teatro SEA); “La Más Grande Historia Jamás Contada” (Jazz at Lincoln Center).

MEJOR PRODUCCIÓN / TEATRO DEL EXTERIOR: “Amarillo” (Teatro Stage Fest-México); “¿Jugamos a Hamlet?” (Teatro Unicaribe-Rep. Dominicana); y “Pájaro” (Gallinero Culeko-México).REESTRENO DEL AÑO: “Un Indocumentado en Nueva York” (Compañía Cecill Villar); “La Mano de Dios” (Grupo Teatro Chanajo); y “Medardo” (Kayros Theater Group y Golden King Productions).

Por otro lado, el PREMIO DRAMATURGIA 2013 cuenta con las siguientes nominaciones: Sabina Berman (“Muerte Súbita”); Caridad Svich (“El Amor en los Tiempos del Cólera”; y Karen Zacarías (“Mariela en el Desierto”).

Fuera de competencia, recibirán reconocimientos extraordinarios la Compañía de Cecill Villar, y el Teatro Rodante Puertorriqueño de Miriam Colón, por la producción de “Palabra de Mujer”, ya que en años anteriores ambas actrices y directoras ya recibieron el máximo galardón de la ACE, y por disposiciones reglamentarias no pueden recibir nominaciones adicionales.

También serán distinguidos con reconocimientos especiales en la próxima entrega de premios de la ACE: José Bonilla, Enmanuel García-Villavicencio, Luis Felipe Rodríguez, Fanny Rybin, Carlos Sánchez y Susana Tubert.

En los apartados correspondientes a las actuaciones más destacadas, recibieron nominaciones —

MEJOR ACTOR / DRAMA: Luis Carlos de La Lombana (“El Amor en los Tiempos del Cólera”); Alfredo Huereca (“Muerte Súbita”); y Pep Muñoz (“El Amor en los Tiempos del Cólera”). MEJOR ACTRIZ / DRAMA: Zulema Clares (“Mariana en el Desierto”); Dalia Davi (“Cuba: Punto X”); y Hannia Guillén (“Probation”).

MEJOR ACTOR / COMEDIA: Edison Carrera (“Por Él Soy Eva”); Antonio Rubio (“Apartamento Para Dos”); y Richard Trujillo (“El Deseo de Sofía”). MEJOR ACTRIZ / COMEDIA: Elena Mohedano (“El Deseo de Sofía”), Rosario Pineda (“Apartamento Para Dos”); y Eva Cristina Vásquez (“Decime Qué Escuchás).

MEJOR ACTOR / TEATRO DE ÉPOCA: Francisco Fuertes (“La Callas y Medea”); Joaquín García (“Como Estaba Escrito); y Juan Villarreal (“El Corregidor”). MEJOR ACTRIZ / TEATRO DE ÉPOCA: Basílica Bliachas (“La Callas y Medea”); Ana Montero (“El Corregidor”); y Kathy Tejada(“La Callas y Medea”).

INTÉRPRETE MÁS DESTACADO DE TEATRO MUSICAL: Juan Esteban Escobar, Miguel Ángel Ramírez y Felipe Salazar (todos por “La Más Grande Historia Jamás Cantada”. INTÉRPRETE MÁS DESTACADA DE TEATRO MUSICAL: Ana Campos-Stephens (“A Tres Voces”); Marga Mitchell (“Tango 5 Sentidos”); y María Constanza Ucros (“La Más Grande Historia Jamás Cantada”).

UNIPERSONAL MASCULINO MÁS DESTACADO: Néstor Carrillo (“Frida Kahlo”); Juan Guzmán (“El Triste Olvido”); y Omar Hidalgo (“El Valor de los Cuerpos”). UNIPERSONAL FEMENINO MÁS DESTACADA: Digna Carvajal (“La Susy”); Loren Escandon (“Montera”); y Yamila Ledesma (“El Juicio de Juana de Arco”).

ACTOR VISITANTE MÁS DESTACADO: Jesús Cuevas (“Amarillo”); Christian David-Fernando Reyes (“Pájaro”); Raúl Mendoza (“Amarillo”). ACTRIZ VISITANTE MÁS DESTACADA: Nileny Dippton (“La Noche de los Asesinos”); Viena González (“Nuestra Señora de las Nubes”); y Ramona Olivo (“Mujer Molusco”).

ACTOR CARACTERÍSTICO MÁS DESTACADO: Franco Galecio (“Un Indocumentado en Nueva York”); José Hernández (“Por Él Soy Eva”); y Antonio A. Méndez (“Se Busca un Hombre Honesto”). ACTRIZ CARACTERÍSTICA MÁS DESTACADA: Anny Gómez (“Bodas de Sangre”); Soledad López (“La Callas y Medea”); y Gloria Ospina (“Por Él Soy Eva”).

MEJOR COACTUACIÓN MASCULINA: Lucio Fernández (“Cuba: Punto X”); Gerardo Gudiño (“La Cena”); y Alfonso Rey (“Cuba: Punto X”). MEJOR COACTUACIÓN FEMENINA: Ana Grosse (“La Cena”); Dinorah Coronado (“Secretos de Mujeres”); y Silvia Sierra (“El Amor en los Tiempos del Cólera”).

ACTOR DE REPARTO MÁS DESTACADO: Edward Azcorra (“El Corregidor”); Stalin Cando (“Por Él Soy Eva”); y Claudio Weisz (“El Corregidor”). ACTRIZ DE REPARTO MÁS DESTACADA: Johanna Ramírez (“Bodas de Sangre”); Adriana Sananes (“Medardo”); y Teresa Yenque (“Mariela en el Desierto”).

ACTOR REVELACIÓN DEL AÑO: Mauricio Pita (“Bodas de Sangre”); Eduardo Ramos (“Bodas de Sangre”); y Antonio Solar (“El Coordinador”).  ACTRIZ REVELACIÓN DEL AÑO: Adela María Bolet (“Bodas de Sangre”); Carmen Cabrera (“Bodas de Sangre”); y Zulaika Velázquez (“Medardo”).

En los apartados de dirección escénica, las nominaciones fueron las siguientes:

MEJOR DIRECCIÓN / DRAMA: Iván Acosta (“Cuba: Punto X”); Raúl Durán (“La Cena”); y José Cheo Oliveras (“Medardo”). MEJOR DIRECCIÓN / COMEDIA: Iván Argudo (“Secretos de Mujeres”); Ernesto de Villa Bejjani (“El Deseo de Sofía”); y Yolanny Rodríguez (“Se Busca un Hombre Honrado”).

MEJOR DIRECCIÓN/ TEATRO DE ÉPOCA: J. J. Franco (“El Corregidor”); Ángel Gil Orrios (“La Callas y Medea”); Héctor Luis Rivera (“Como Estaba Escrito”). MEJOR DIRECCIÓN / MUSICAL: Rob Barron (“La Más Grande Historia Jamás Cantada”); Ángel Gil Orrios (“Tango 5 Sentidos”).

DIRECTOR VISITANTE MÁS DESTACADO: Orestes Amador (“La Noche de los Asesinos”); Jorge Júnior Gómez (“¿Jugamos a Hamlet?”), y Claudio Rivera (“Nuestra Señora de las Nubes”). DIRECTOR REVELACIÓN DEL AÑO: Manolo Celi (“Monstruos en el Clóset, Ogros Bajo la Cama”); Inés García (“El Coordinador”); y Billy Martin (“Frágil”).

Finalmente, se concedieron también  varias otras nominaciones en los apartados de los aspectos técnicos de las producciones teatrales del pasado año, y sus ganadores también se darán a conocer el 20 de enero de 2013.

Paco Mir, Carles Sans y Joan Grática (i a d), integrantes de Tricicle, el grupo Catalán que lleva 32 años de éxito.

Lleva más de treinta años “descolocando al espectador”, porque así define el humor este triunvirato que, si una cosa ha tenido clara durante todo este tiempo, es que “tenemos que hacer reír a todo el mundo”.

Por Juan Antonio Medina

Carles Sans (1955), Paco Mir (1957) y Joan Grácia (1957) van avisando “que nos vamos a retirar”, tras el reciente estreno de “Bits”, su octava creación desde que, en 1979, se presentaran con “Manicomic”. “Se trata de un espectáculo sobre las nuevas tecnologías, pero utilizadas para exponer situaciones cotidianas, como hacemos desde hace 32 años. Un formato para mostrar nuestras ocurrencias’, explica Carles.

Los integrantes de Tricicle aclaran que “Bits” será la última creación: “No trabajaremos en un espectáculo nuevo, ya son muchos años de oficio, de viajes y, seguramente, dentro de dos o tres años, no tendremos las mismas energías. No descartamos hacer un `adiós muy buenas’ con lo mejor de Tricicle, pero eso tenemos que hablarlo”.

Repasando su trayectoria, Carles reconoce que el propósito de Tricicle “ha sido no defraudar, hasta el último día”, y que hay muchos momentos “celebres” en la carrera de este trío.

Para Paco Mir, “el mejor momento fue “Manicomic””, el espectáculo que presentaron en 1979. “Hicimos el salto de una sala cafe-teatro de tres minutos a un espectáculo de noventa. En aquella época, había un gran mimo (Marcel Marceau) y nadie más. Fue nuestras gran confirmación”.

Por su parte, Carles reflexiona que “nos daremos cuenta de lo que hemos hech0 y sido cuando lo hayamos dejado”, aunque recuerda su actuación en la clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona (1992) como “un momento espectacular”. “Llegar a un teatro y tenerlo siempre lleno es una cosa que valoraremos con el tiempo”, insiste.

UN MATRIMONIO A TRES

A la pregunta de si ¿no os peleáis después de 32 años?, Carles contesta como lo viene haciendo en los últimos años. “Somos un matrimonio a tres. En 32 años ha habido temas de todos los colores, pero aquí estamos, la compañía está por encima de los roces”.

“Nos llevamos bien”, apunta Carles. Para Joan, “la clave está en que siempre nos ha ido bien. Gracias a ello hemos podido hacer cine, televisión, producir teatro” la madre ha sido Tricicle. Otro secreto es que cada año nos damos dos o tres meses de vacaciones para desengrasarnos”.

¿Y un nuevo Tricicle?, se les pregunta. “Tenemos hijos pero no lo vemos en ésto. Aunque mis dos hijas y el hijo de Paco podrían hacer un Tricicle”, bromea Joan.

Más serios se ponen cuando explican qué les hubiera gustado hacer de no haber sido Tricicle. Para Joan, “trabajar en algo creativo, aunque a nivel individual: pintar y tocar el piano”. Paco, por su parte, destaca su formación en Bellas Artes y sus estudios de cine, “por lo que me hubiera decantado por el mundo de las series”.

Carles, que recuerda que de niño hizo varios anuncios de televisión, se ve “en el mundo de la radio que siempre me ha gustado, también la fotografía. Aunque estudie Derech0 creo que nunca me hubiera dedicado a ello porque no me gustaba”.

Tras actuar en casi todo el mundo, el trío reconoce que “en Francia es donde mejor nos han tratado y donde el público ha reconocido mejor nuestro trabajo. Allí hay una gran cultura del gesto”, explica Carles, quien confiesa que tienen una “espinita clavada” porque “nos hubiera gustado actuar en Broadway. Estuvimos a punto de hacerlo. Hubiera sido el sueño americano”.

Por Nilda M. Tapia

Nueva York (ILN).- La novela de Gabriel García Márquez “El amor en los tiempos del cólera” ya es obra de teatro, según la pluma de Caridad Svich y bajo la dirección de José Zayas de Puerto Rico.

Zulema Clares en “El amor en los tiempos del cólera.”

Estrenada el viernes 12 de octubre con un elenco de actores de peso pesado en el teatro en español (TeE) de New York, Repertorio Español sigue con su tradición de escenificar en su íntima sala de la Calle 27 las obras de los escritores más encumbrados de la América Latina y España.

Y la adaptación al teatro no dejó de traer mucho revuelo, ya que García Márques es famoso por el celo que siente por su obra que  no autoriza ninguna adaptación de ella sin su supervisión.

Con todo, la Svich se  ciñó muy al texto del autor, a tal punto que el primer acto le faltó ese vuelo teatral que hace de una obra un acierto del comienzo hasta el fin.

Casi al final del primer acto es que el texto logra un acierto muy visual y un encuentro fugaz con el realismo mágico que caracteriza la obra de Gabriel  García Márquez.

En el segundo acto, el texto logra un crecido efecto teatral  debido a que el material que le queda a Svich es el jugo que nutre este relato.

Silvia Sierra y Luis Carlos de La Lombana en “El amor en los tiempos del cólera”.

La historia de los dos adolescentes, Fermina Daza y Florentino Ariza se caracteriza por un constante desencuentro de los dos amantes, a tal punto que la doncella desiste y acepta a otro enamorado más conveniente a los ojos del demandante padre que quiere casar a su hija con alguien de posición establecida que la merezca y le resuelva sus problemas económicos.

El desafortunado enamorado se queda sólo y sin ver a su amada por largos años hasta que por fin, ella queda viuda por un accidente doméstico, más chistoso que dramático.

Muerto el usurpador de su primer amor, el joven amante ya maduro se acerca a la viuda y todo termina donde debiera haber empezado.

Y algo que hubiera resultado en un melodrama de poca importancia literaria, la pluma de García Márquez lo convierte en otra obra maestra que Repertorio Español lleva al teatro.

Zulema Clarés personifica una Fermina deliciosa, juguetona y con resoluciones en su movimiento que la ponen a la altura de una bailarina nata.

Su trasmutación de la dulce adolescente a la madura y permisible viuda la llevó a cabo con suma ductilidad actoral.  Por otro lado, Silvia Sierra le imprimió un colorido especial a los personajes de Tránsito Ariza, Hildebranda, la Mujer 650 y muy en especial la Mujer de las Flores.

Pep Muñoz en “El amor en los tiempos del cólera.”

Luis Carlos de la Lombana personificó con efectividad el joven enamorado rechazado, volviendo al final ya maduro, con la fuerza profunda que le imprimió al personaje ya desprovisto del ardor de sus mocedades.

La personificación que hizo del padre de la enamorada la hizo con la maestría de un actor ya consumado, pero nos hubiera gustado ver a otro actor en este personaje.

García Márquez concibe sus personajes con tantas venas humanas que un actor demasiado cargado con dos personajes tan importantes, nos deja pensando que hubiera pasado de limitarse solamente al personaje central de esta obra.

Completa este cuarteto de pesos pesados del teatro en español de Nueva York el español Pep Muñoz, interpretando un Juvenal Urbino con las celebradas mañas que el autor le imprime al doctorcito de pueblo.  Su Tía Escolástica y el Capitán fueron personificados casi sin esfuerzo.

La dirección de José Zayas le faltó aquel brillo que otros directores de esta compañía teatral le han sabido imprimir a otros clásicos allí presentados.

No vimos que subrayara ese realismo mágico tan típico de la obra de García Márquez, ni tampoco que reclamara esa profundidad de los personajes tan sutilmente delineados por este clásico de la novela latinoamericana.

La escenografía minimalista de Arnulfo Maldonado sirvió para ayudar a concentrarnos en los ricos diálogos y las sutilezas de la acción.

La coreografía de Natalie Lomonte hizo lucir los gráciles movimientos de los actores, especialmente de la primera figura, Zulema Carlés, y la interacción de cada uno de los personajes.  Los vestuarios y la iluminación de Roberto Federico  la vimos acertada, aunque hubo momentos importantes que no fueron iluminados efectivamente o a destiempo.

En general, “El amor en los tiempos del cólera” nos dejó muy satisfech0s con la soberbia actuación de los cuatro actores involucrados que supieron ofrecernos una noche de buen teatro.

Por Nilda M. Tapia

NOTAS LUEGO DE LA LECTURA DE “DEADLINE”

Nueva York (ILN).- Después que se leyera en la flamante sala Alice Griffin Jewel Box Theater del Pershing Square Signature Center el pasado 26 de marzo, 2012, a las 7:30PM en el programa de Stagefest  la polémica obra de Sabina Berman,”Deadline”, con una producción a la altura de Broadway y lectores como  Jimmy Smits y Jenn Colella, esta dramaturga pasó a ser el centro de las miradas en el teatro latino de esta ciudad.   Observar como ella juega al gato y al ratón con las nuevas propuestas sexuales que están surgiendo en el lugar de trabajo con aquello de que la mujer debe de tener derech0s laborales a la par del hombre y la forma en que esta dramaturga trae esta confrontación al teatro nos interesó ahondarlo con ella para poder absorber su obra mucho más que lo que habíamos logrado en la lectura. Más aún cuando esta autora propone como respuesta a la proposición masculina de: “te quieres casar conmigo”, unas evasivas femeninas que levantarían de la tumba a nuestras femeninas abuelas y hasta nuestras madres y las harían agitar sus elocuentes abanicos.

“Quiero un teatro con más literatura. No soy muy seguidora del teatro moderno, con frases cortas y diálogos chispeantes… Prefiero el teatro de Arthur Miller, de Tennessee Williams que tanto nos enseñaron”, dijo Berman

La mujer actual no responde a la propuesta matrimonial con aquel entusiasmo clásico de un rotundo Sí.  A la oferta masculina, ella no está dispuesta a claudicar de su independencia y de su vida organizada a su manera.  Sus comentarios no se dejan esperar… y Berman le pone a su heroína palabras tan comunes a nuestros días, que se necesitó una dramaturga con intuición periodística para traer este tipo de diálogo al escenario.  ”No queremos casa…no la necesitamos… somos autosuficientes.  Mi casa ya la tengo…” –y yo agregaría– bien puesta, por supuesto. De acuerdo a sus necesidades y estilo de vida.

A las otras propuestas que el hombre moderno le pudiera hacer, como “Puedo ser tu mentor….   La  mujer de negocios de hoy, le contesta al enamorado con un … “Yo tengo mejores contactos que tú…”  Pero el hombre moderno de Berman no claudica así, tan fácil e insiste… “Podemos escribir un libro juntos…”  La heroína que nos ocupa está más que preparada para contestarle: “Ya tengo un nombre en el mercado. Tengo varios libros con ventas exitosas…  te podría ayudar yo en eso…”  A estas alturas, el hombre comienza a mostrar cierta inquietud y reclama:  “Pero yo soy tu mentor, te recogí de la universidad y te traje aquí como editora…”  La hembra sigue en su posición de defensa…”Pero yo soy mejor editora que tú…”

El hombre de “Deadline” es un clásico y sigue comportándose como tal.  Se enamora y pretende llevar a su enamorada a su casa, para meterla en la cocina y que le cocine. Berman oficiosamente lo envuelve en una profunda propuesta romántica.  Pero a ella la aferra a su realidad y le hace desechar por completo el romanticismo que ha hech0 de la mujer la encantadora esclava de todos los tiempos.  En un inusitado vuelco dramático, la mujer saca sus cartas llenas de realidades y le dice a su jefe enamorado, “lo que yo quiero es tu puesto…  no me interesa ser tu mujer”.

Wow… qué hará el jefecito ahora…  Al final y después del pugilato verbal, él se alegra…  La observa que no está pasiva, que lucha por su sueño, aunque este sea el derrumbe propio.  Y genialmente se despoja de todo romanticismo y le contesta… “Si no peleas por este puesto, no lo mereces”.

Luego de una interesante y acalorada discusión final, la mujer ya segura de haber conseguido su cometido se quita su máscara femenina y llama por teléfono a su pareja femenina y le dice: “quiero adoptar tu hijo!”

Hondando con la autora, confiesa que los problemas sexuales de tono insultante, tensos, esa parte le sirvió a ella para introducir un poco de comedia a su discutido  texto.  Según ella, la obra trata del sexo, como unidad humana, y de poder.  Del poder del hombre y del poder que ha adquirido hoy  la mujer.  Es como una revisión de lo que trae la nueva ola a la mesa de discusión.

“La gloria es el no poder y ninguno de los dos es fiel a eso”, dice Sabina.  “Ella, la heroína de la obra, quiere ser la Presidenta del Periódico”. Y se siente capaz de ello, tanto que no titubea en pisar terrenos prohibidos hasta ahora en las relaciones de jefe y subordinada.

Pero la autora no deja de observar las posibilidades de su obra a nivel de audiencia.  “A las mujeres jóvenes no les gusta la obra,” comenta.  “La heroína que busca este tipo de poder es una mujer madura, cuyas hormonas femeninas están ya calibradas y en su lugar.  Ya pasó por el romance…  Pudo haberle ido muy bien… pero ahora su vida está hecha.  Ya tuvo marido, casa, hijos..  Ya se satisfizo emocional y sexualmente.  Ha sido esposa y madre (esto último muy duradero), ha tenido todo lo que deseaba de adolescente: una casa bonita, bien equipada, hijos en buenos colegios, tal vez en su mediana edad ya goza de sus nietos, una experiencia mucho mas sosegada en la mayoría de las mujeres.”

Y nos comenta que… “Las mujeres maduras buscan ya la pareja del mismo sexo porque tienen una relación de igual a igual en la casa…  El marido con su machismo espera una sumisión que las mujeres de hoy ya no practican…”, sostiene Berman que ya ha sido muy aplaudida en su natal México como dramaturga al día y con muchas novedades.

Pero con todo, Sabina Berman no está de acuerdo con las exigencias técnicas del teatro moderno. “Quiere un teatro con más literatura.   No soy muy seguidora del teatro moderno, con frases cortas y diálogos chispeantes…  Prefiero el teatro de Arthur Miller, de Tennessee Williams que tanto nos enseñaron”, me recalca.  Bueno, pero ese teatro, que es artísticamente mucho mas valioso, restringe mucho la audiencia de las grandes ciudades, por aquello de que aquí en Broadway, el público está todo el día en su trabajos, estresado, y lo que busca es diversión y prefiere dejar el arte para el fin de semana.  Por otro lado,  el fin de semana la gente quiere ese teatro cerca de sus casas en la periferia de la  gran ciudad y no en el mero centro de la misma.  Estas realidades son las que marcan las pautas.

Pero Sabina insiste en hacer arte y no escribir para el mercado…“El teatro tiene que buscar sus esencias que son la presencia humana y el lenguaje,” responde Sabina a esta disyuntiva entre satisfacer el arte y el mercado al mismo tiempo.  Si estamos haciendo teatro, prestemos atención a la dramaturga más exitosa de la escena mexicana, busquemos de mantener la esencia del teatro que es la presencia de un buen actor en escena con un texto que lo haga lucir y le de oportunidad a extraer lo mejor de sí para crear un personaje creíble y que le llegue a la audiencia, así sea el héroe, la heroína o los malos que traen los momentos candentes en una escena.

Según Sabina que es reportera de uno de los diarios más populares y leídos del Distrito Federal mexicano, ella defiende su metier estableciendo que “El periodismo te da la certeza de que la realidad es fascinante.  Para mí, no es la imaginación la que puede llegar a fascinar.  No te quita el juicio ponerte a contemplar lo que le ves a los personajes creados por la imaginación. Mientras que el periodismo te obliga a poner tu atención en la realidad por largos períodos de tiempo.  Y los seres humanos están en su “yo” el 90 por ciento de ese tiempo”. Y añade para corroborar esto: “Los periodistas y los científicos tienen que estar con la realidad.  No pueden ni crear ni inventar…  deben de comunicar y analizar la realidad para cumplir con sus tareas en forma ética”.

Como novelista, Sabina ha escrito ya su novela : “La mujer que buceó en el corazón del mundo” traducida ya a varios idiomas.  La versión en inglés está a punto de salir al mercado como : “Me who doved into the center of the world.”.   Sabina comenta que le atraen mucho las portadas de las versiones en coreano, japonés, hebreo, húngaro, …”Es bien interesante ver las portadas de cada punto donde se imprimen estas versiones.”  Según Sabina, al leerla sabré qué es su vida…” la mitad de las mujeres se encuentran en esa situación”, confirma y me deja con ganas de conseguirla y leerla de inmediato.

Otro acierto que Berman destaca es la labor que ha llevado a cabo con su traductora al inglés, Lisa Dillman.  “Ella es muy talentosa”, me comenta y lo apruebo.  La traducción de “Deadline” está impecable.  Nadie diría que su original haya sido escrito por una mexicana y en México.  “Lo más difícil de la traducción en el teatro es el ‘straight line’ o esas frases de rutina que pululan en los textos teatrales y que hay que igualarlas con frases que deban cobrar la misma fuerza que la original. “La traductora debe ser leal… y desarrollar un estilo que se asemeje mucho al estilo del escritor o dramaturgo.”  Ella ha sido también la traductora de su novela “La mujer que buceó en el corazón del mundo.”  Y según expresara, piensa que seguirá traduciendo la mayoría de sus obras, si es posible.  Es otro gran legado que Berman quiere dejar sentado a los escritores.  “Una vez que encuentran una traductora que sabe interpretar su obra, tanto en esencia como en estilo, deben  de tratar de mantener este vínculo, siempre que se pueda y no surjan otras exigencias…” concluye Sabina Berman en una entrevista que logré en pleno corazón de Broadway, como para marcarle una trayectoria de broche de oro a su dramaturgia.

"Nací en Brooklyn, fui al colegio en Queens y empecé mi carrera de cómico en Manhattan. Siento que Nueva York me enseñó a ser divertido", dijo Seinfeld en un comunicado que reproduce hoy el diario The New York Times.

Nueva York.- El humorista neoyorquino Jerry Seinfeld volverá a subirse a los escenarios de la Gran Manzana después de catorce años de ausencia con un espectáculo de comedia en vivo que recorrerá los cinco barrios de la ciudad entre octubre y noviembre.

“Nací en Brooklyn, fui al colegio en Queens y empecé mi carrera de cómico en Manhattan. Siento que Nueva York me enseñó a ser divertido”, dijo Seinfeld en un comunicado que reproduce hoy el diario The New York Times.

El protagonista de la famosa serie de televisión “Seinfeld” actuará cinco noches en la ciudad de los rascacielos, una para cada uno de sus barrios, y que dará el pistoletazo de salida con su aparición el jueves 4 de octubre en el teatro Beacon, en la isla de Manhattan.

El cómico no actúa sobre los escenarios neoyorquinos desde 1998, cuando llevó a Broadway el espectáculo “Te lo digo por última vez”, que colgó el cartel de “completo” en el teatro Broadhurst poco después de haberse emitido el último capitulo de su popular serie televisiva.

El cómico regresará a su ciudad natal acompañado por Colin Quinn, quien protagonizó en 2010 una obra de Broadway dirigida por el propio Seinfeld, “Long Story Short”, en la que se explicaba de forma humorística la historia de los imperios durante los últimos 2.000 años.

Seinfeld, de 58 años, se convirtió en toda una estrella de la televisión estadounidense y de fama mundial gracias a su papel protagonista en la serie “Seinfeld”, en la que trabajó desde 1989 hasta 1998 no sólo como actor principal sino también como coguionista, junto al afamado humorista Larry David.

París.- La Iglesia católica se desvinculó de las protestas organizadas para el próximo sábado, día 29, contra dos obras de teatro que algunos han tachado de blasfemas, una de ellas "Gólgota picnic", del argentino Rodrigo García, que se representará en París y en Toulouse.



A través de un comunicado, la Conferencia Episcopal de Francia negó estar detrás de la manifestación convocada para criticar la obra, que está programada entre el 16 y el 20 de noviembre en el teatro Garonne de Toulouse (sur de Francia) y del 8 al 17 de diciembre en el Théâtre du Rond-Point, de París.



La protesta, convocada por la plataforma Civitas Institut, pretende arremeter tanto contra la pieza del argentino como contra la titulada "Sobre el concepto del rostro, en el hijo de Dios", del italiano Romeo Castellucci, que se representa en el Théâtre de la Ville de París.



Este último espectáculo, que expone una escatológica reflexión bíblica sobre la relación paternofilial, llevó a sus detractores a lanzar cadenas, bombas fétidas y lacrimógenas al escenario durante su representación, y a tratar de bloquear las puertas de acceso a la sala, según los responsables del Théâtre de la Ville.



"La Iglesia Católica en Francia condena las violencias perpetradas durante los recientes espectáculos", declaró la Conferencia Episcopal en un comunicado en el que destaca que aquella es "promotora del diálogo entre la cultura y la fe" y "reacciona, cuando es necesario, con determinación, y siempre por medios pacíficos".



El portavoz de la Conferencia Episcopal, Bernard Podvin, llamó, no obstante, "a la libertad de expresión respetuosa con lo sagrado" y solicitó un diálogo con los cargos electos en lo que respecta a ese "desafío", en línea con sus declaraciones de septiembre, cuando pidió que no se destinase "ni un euro público" a una producción, en referencia a "Gólgota picnic", que "denigra un culto".



La pieza de García se inspira en la Biblia, "una fábula -según el autor- interesantísima por su belleza del lenguaje, la calidad de la imaginación y su lado ético", para crear un espectáculo en el que se utilizan miles de panes de hamburguesa al aludir al milagro de Jesucristo.



"La Iglesia católica en Francia no es ni integrista ni oscurantista. Los católicos aspiran, como ciudadanos, a ser respetados en el corazón de su fe", agregó Podvin.



No es la primera vez este año que el mundo del arte se ve sacudido por los ataques de integristas religiosos. En abril, dos obras del artista neoyorquino Andrés Serrano, de las que una consiste en la fotografía de un crucifijo sumergido en un bote de orina, fueron destruidas en el Museo de Arte Contemporáneo de Aviñón, en el sur de Francia.



La obra "Piss Christ", que había sido objeto de críticas por movimientos religiosos, fue destruida a martillazos, tras la celebración de una manifestación católica. 

Por Nilda M. Tapia

La lectura escenificada de la primera opera escrita por la talentosa artista puertorriqueña Anita Velez Mitchell causó mucha admiración entre un concurrido y apretado núcleo de amigos y simpatizantes.  En una muy acabada puesta producida y ofrecida por Lorca Peress, directora y fundadora de la agrupación MultiStages, se apreció una trama compleja y entretenida, arropada por una partitura musical muy de actualidad compuesta por Dean Landon y Anika Peress con orquestación y arreglos exquisitamente elaborados por el mismo Dean Landon.  La dirección musical de Bruce Baumer también contribuyó al realce sonoro de esta producción que superó las expectativas de todos los que fuimos a escuchar una simple lectura.

La historia gira alrededor de una joven, Amada, hija de Don Severo, un conquistador español. Ella crece bajo los cuidados de Nana, la amancebada cónyuge de su padre, una princesa taina obligada por su marido a guarder un secreto muy cruel: el de ocultar su maternidad. En una escapada que Amada hace hacia los cerros donde la raza taina se ha guarecido escapando de los conquistadores, ella conoce a Guario, un joven indígena.  Ambos caen en las trampas del amor de inmediato.  Amada regresa a su casa donde sus padres la han hechado de menos.  Recibe una severa reprimenda de su padre y luego de su madre y para evitar que ella ande libremente fuera de la casa, el padre la ofrece en matrimonio a su sobrino, Nemesio, un joven con un gran poder de seducción pero pocos escrúpulos.  Amada rechaza a Nemesio, pues lo considera otro miembro de su familia.  Desesperada por el destino que le han marcado, regresa a la montaña a verse con Guario.  Ambos pasan la noche juntos.  Al enterarse su padre enfurecido decide ir a cobrarle a Guario la ofensa de haber seducido a su hija.  Mientras tanto, Nana gana la delantera y alerta a los amantes de las intenciones de Don Severo.  Este llega y se produce la tragedia. Nana cae victima de la furia de su marido que hiere primero a Guario.  Al ver a su mujer herida de muerte, Don Severo muere de un sincope. Amada se acerca a la muribunda Nana, quien le confiesa ser su madre.   Llega Nemesio; y al encontrarse con el funesto cuadro, trata de agredir a Guario y a forzar a su prometida a que lo siga.  Amada se resiste y le confiesa que Nana es su madre y que espera un hijo de Guario.  Ambos forcejean y Nemesio cae al vacío.  Al ver Amada que Guario está muribundo, ella se desespera y quiere morir junto a él.  Pero Guario le da fuerzas para vivir y así proteger al hijo que esperan y que representará al crisol de razas del futuro Borinquen.  Un gran finale se produce con el acercamiento de todas las ánimas de los difuntos a la cima del monte.  El coro se une a ellos y todos entonan el himno de cierre “Love is greater than Death” (El amor es más grande que la Muerte), produciendose un final de un elocuente y profundo lirismo.

Las voces escogidas fueron el gran acierdo de esta propuesta de Lorca Peress, acostumbrada a elegir entre sus estudiantes a sus heroes y heroinas con el mayor de los aciertos.  Muy buenas actuaciones lograron Patricio Witis como Guario y Robmariel Olea en el papel de Nana.  Descollante la labor de Taleen Dersdepanian como Amada.  A Ricardo Puente le costó luchar en contra del estereotipo de Don Severo, lo mismo que Kenneth Kyle Martínez con la necedad de Nemesio, pero ambos superan las vallas del estereotipo y salen airosos en sus actuaciones.

El coro formado por Theresa Burns,Norberto Briceño, Víctor Cervantes, Eric Campos, Gina Castellanos, Giselle Gastell, Jessica Foster, Melissa Kraus y Andrea Sousa enriquecieron con sus voces y acertados juegos escénicos trayendo la ambientación apropiada para evocar los días de la conquista de Borinquen.

La promesa de un estreno de esta obra para diciembre trajo gran expectativa a la numerosa audiencia que logró ubicarse en forma bien compacta en una de las salas del Piso 12 de los Studio Pearl, 500 Octava Avenida de Manhattan. La productora Lorca Peress de Multi Stages confesó que todo esto era un esfuerzo de familia, ya que la autora de 95 años de edad, Anita Velez Mitchell era su abuela maternal, la co-autora de la música, Anika Peress era su hermana menor, y podemos agregar que en la sala se encontraba el padre de ambas, el Maestro Maurice Peress, asistente en los años 50  del Maestro Leonard Berstein, autor de un gran clásico de Broadway, West Side Story.   Maestro Peress confesó que el personaje de Anita de esta comedia musical, lo habia ideado él inspirado en la arrulladora personalidad de la entonces bailarina Anita Vélez Mitchell.  Con todo este bagaje de personalidades, más el agregado de otro gran talento de Hollywood, Dean Landon, quien puede dudar que Temple of the Souls no llegue a conseguir llegar tan lejos co