Zoe Saldaña lleva el calor latino al espacio con “Star Trek Into Darkness”.

Los Ángeles.- La actriz estadounidense Zoe Saldaña, hija de dominicano y puertorriqueña, lleva el peso femenino en “Star Trek into Darkness”, un filme “mucho más intenso” que el que le precedió en 2009, según dijo hoy.

Dirigido como el anterior por J.J. Abrams, “Star Trek Into Darkness” se estrena este jueves y Saldaña vuelve a interpretar el papel de Uhura, la oficial de comunicaciones de la nave Enterprise.

“En esta entrega sentí que J.J. y su equipo de escritores (el mexicano Roberto Orci, Alex Kurtzman y Damon Lindelof) tenían más libertad”, explicó la actriz.

“Se sintió más el drama y todo resultó más intenso. La evolución de los personajes se nota realmente y eso fue lo que más me gustó. Estábamos todos más relajados”, agregó Saldaña, quien dio vida a la alienígena Neytiri de “Avatar”, la película de mayor recaudación en la historia.

La cinta profundiza en la relación sentimental que mantiene Uhura con Spock, un personaje mitad humano mitad alienígena que dice siempre la verdad pero no puede exteriorizar sus sentimientos.

En el filme hay más acción, una historia más intrincada y un enemigo cuyos secretos podrían ser devastadores para la humanidad.

“Las mujeres somos delicadas y hermosas, pero también podemos resolver situaciones comprometidas, sabemos actuar instintivamente y dar con soluciones. Hay directores que saben eso y que lo interpreten en sus películas me da mucho placer”, manifestó.

Además de Saldaña, actúan en esta secuela de “Star Trek” Chris Pine, Zachary Quinto, Karl Urban, Simon Pegg, Alice Eve y el británico Benedict Cumberbatch en la piel del malvado.

La actriz, que reconoce no haber visto las diez películas de la franquicia original al completo, sostiene que se siente segura en el papel gracias al visto bueno de Nichelle Nichols, la mujer que encarnó a Uhura desde la serie de televisión homónima.

“Tener su bendición es fundamental. Y también tengo el apoyo de un director que ha escrito algo bien concreto para mí. Me abrió las puertas para poder crear”, afirmó Saldaña.

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“Iron Man 3″ golpea de nuevo en la taquilla.

Los Ángeles.- La producción “Iron Man 3″ demostró su fortaleza en la taquilla durante su segundo fin de semana en cartelera, en el que recaudó 72,4 millones de dólares, una cantidad que le sirvió para eclipsar el promocionado estreno de “The Great Gatsby”.

A pesar del buen resultado, la tercera entrega cinematográfica del superhéroe de cómic de coraza de hierro que interpreta Robert Downey Jr. no batió el récord establecido en 2012 por “The Avengers”, que el fin de semana que siguió a su debut logró 103 millones de dólares.

La acción de “Iron Man 3″ empañó el gran desempeño de “The Great Gatsby”, que se presentó el viernes ante una audiencia norteamericana que acogió la cinta con entusiasmo.

Se trata de la cuarta adaptación a la pantalla de la famosa novela de F. Scott Fitzgerald, en esta ocasión con Leonardo DiCaprio como protagonista y Baz Luhrmann en la dirección.

Realizador y actor, que ya habían trabajado juntos en “Romeo + Juliet” (1996), mostraron el mundo de dispendio del magnate Jay Gatsby a los espectadores, que se gastaron 51,1 millones de dólares en entradas del viernes al domingo.

“Iron Man 3″ y “The Great Gatsby” acapararon la atención de los estadounidenses durante un fin de semana en el que el resto de películas en cartel tuvieron poca oportunidad de brillar.

La tercera cinta más taquillera hizo cinco millones de dólares, la película de acción “Pain and Gain”, del director Michael Bay, sobre un secuestro hech0 por aficionados a los gimnasios que se complica.

Por detrás quedó el nuevo estreno de la factoría Tyler Perry, el polifacético humorista que produjo “Peeples”, una comedia de enredo dirigida al público afroamericano en torno a una reunión familiar que se ve alterada por una petición de mano.

“Peeples” logró 4,8 millones de dólares, por 4,6 que hizo “42″, película que cuenta la historia del primer jugador de béisbol afroamericano en romper la barrera racial en ese popular deporte profesional en EE.UU.

Tras un mes en exhibición, la ciencia ficción de “Oblivion” aún no ha logrado recuperar en la taquilla de EE.UU. su inversión estimada de 120 millones de dólares.

Ese título apocalíptico y futurista con Tom Cruise y Morgan Freeman, ingresó 3,8 millones de dólares durante el fin de semana que elevaron su recaudación total hasta 81,6 millones de dólares.

Los dibujos animados sobre la familia prehistórica “The Croods” consiguieron 3,6 millones de dólares durante los tres últimos días en los cines, por 2,5 millones “The Big Wedding”, 2,3 millones “Mud” y poco más de 800.000 “Oz The Great and Powerful”.

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DOS ESTRENOS: Un Osito  y… un Ladrón

Edward Azcorra

El osito manhattanero, original de Sonia Suárez Schwartz, adaptación de Edison Carrera. Con Edward Azcorra, Edison Carrea, William Pérez, James Bayona, Yanira Aparicio, Patrick Kuhnn y Gloria Ospina. Canciones Emyliano Santa Cruz. Coreografía, Patricio Kuhnn. Luces y sonido, Lyliana Barrera. Producción  de Tocando Puertas Inc., y Ángel Falls. Escenografía i dirección, Edison Carrera.

Desde nuestra adolescencia nunca hemos sido fanáticos del teatro dirigido a la gente menuda, sin embargo con la producción de El osito manhattanero, ocurre algo diferente, debido a los mensajes de su contenido enfocado tanto a la gente menuda cómo la adulta.

Una simple historia que narra la peripecias de un osezno, hastiado de su mundo del Polo Norte y quien desea emigrar a una gran urbe, en este caso Nueva York y cuya aventura migratoria no resulta del todo infortunada. La lecciones aprendidas durante su corta edad no son infructuosas.

William Pérez, Yanira Aparicio y James Bayona quienes aparecen en su nuevo entorno, dan pie al desarrollo de la trama, cumpliendo correctamente con sus personajes infantiles. Edison Carrera en su triple papel, de adaptador, escenógrafo y actor –Papá Oso- nos brinda muy buenos resultados en sus tres tareas.

Edison Carrera

Edward Azcorra, es muy posible que nos ofrezca la mejor actuación que hasta ahora le hayamos visto. Llena, de ángel carisma y dramatismo. El texto la cubana Sonia Suárez Schwartz, aparentemente naive en su exterior nos resulta de gran profundidad en sus conceptos: cómo la conservación del medio ambiente, el amor y la compresión entre los seres humanos y la  paz universal.

El osito manhattaero, es más que teatro infantil… una obra muy conceptual.

The Virtuous Burglar, original del Premio Nobel de Literatura, Darío Fo. Con Caridad del Valle, Paul Montoya, Yvette Quintero, Ronald Sarcos, Johanna Ramírez, Aarón Jáquez y Oscar Zamora. Productor ejecutivo, Carlos Nieves. Coreografía, Oscar Manuel Salazar. Luz, sonido y vestuario, Lyliana Barrera . Dirección y coproducción, Emmanuel García Villavicencio.

El escritor Darío Fo cuenta con innumerables obras de factura cómica y comprometida, sobresaliendo Misterio bufo de 1969, Muerte accidental de un anarquísta de 1970 e Historia de un tigre entre otras. En esta puesta que disfrutamos de sobremanera, El ladrón virtuoso, nos muestra que Fo es un autor con un estilo muy particular.

Muy bien dirigida por Emmanuel García Villavicencio, es la primera producción en nuestra plaza del venezolano Carlos Nieves y estrenada en Roy Arias Studios de la calle 43 y octava avenida.

Desarrollada en la década de los años 60, El ladrón virtuoso cuenta con un buen elenco, donde destacan Caridad del Valle, Yvette Quintero, Johanna Ramírez, nunca sin pasar por alto a Paul Montoya, Ronald Sarcos y Aarón Jáquez.

Es algo difícil llevar una obra con sabor italiano, al idioma inglés y además con un elenco hispanoamericano. ¿No hubiera sido mejor hacerla en español? Pero bueno tenemos la promesa de la producción y la dirección que va a ser asi en los próximos meses.

El  elenco sale airoso en su cometido, además de buena escenografía y vestuario. Enfatizamos en la calidad de la producción así como en el talento de  Caridad, Yvette y Johanna, quienes nos deleitan con gran  soltura y gracia. Repetimos que seria muy gratificante  ver este trabajo en español ya que iría más a la par del original en italiano.

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Hollywood prepara una película sobre Lionel Messi.

Los Ángeles.- La compañía Epic Pictures Group prepara una película sobre la vida del futbolista argentino Lionel Messi, un proyecto que podría estar listo para debutar en las salas coincidiendo con el comienzo del Mundial de Fútbol de Brasil 2014, informó hoy la edición digital de la revista especializada Variety.

La cinta, que tendrá un tono al estilo de “Rocky” según la publicación, se basará en la biografía “Messi: The Inside Story of the Boy Who Became a Legend”, escrita por Luca Caioli. Epic Pictures Group se encargará de financiar y producir el filme.

Los directivos de la empresa Patrick Ewald y Shaked Berenson negocian actualmente con guionistas y directores para tomar las riendas del proyecto y conseguir que esté disponible para junio de 2014, fecha de inicio del Mundial de Brasil.

Messi, de 25 años, jugador del Barcelona y de la selección argentina, es considerado el mejor futbolista del mundo.

En enero hizo historia al convertirse en el primer futbolista que conquista por cuarta vez consecutiva el trofeo FIFA Balón de Oro.

Johan Cruyff, Michel Platini y Marco Van Basten ganaron el premio en tres ocasiones. Hasta 1995 este galardón sólo se entregaba a jugadores europeos, por lo que estrellas mundiales como Pelé o Maradona nunca pudieron conseguirlo.

Los productores pretenden centrar la historia en la infancia de Messi, sus humildes orígenes, y cómo supera las desventajas de su físico, especialmente su corta estatura, para convertirse en uno de los mejores jugadores de todos los tiempos.

“El objetivo es hacer una película poderosa y positiva que deje al público con una sensación de inspiración y de buscar sus sueños sin importar lo imposible que parezcan”, indicó Ewald.

Epic Pictures produjo “Big Ass Spider!”, que se estrenó en la pasada edición del festival South by Southwest, y otras obras como with “Vikingdom”, “V/H/S” y “Mall”, en colaboración con la banda musical Linkin Park.

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William Levy protagonizará una película sobre el mundo de la salsa.

Miami.- El actor cubano William Levy será el protagonista de una nueva película que tendrá como trasfondo el mundo de la salsa, bajo la producción de la también actriz Jada Pinkett Smith, informó hoy la representante de la productora.

La película “Salsa” narrará la historia de una mujer que se encuentra en una etapa de transición en su vida y conoce a un instructor de salsa (William Levy) y a través de este baile comienza a ver la vida de otra manera.

El libreto y la dirección del film es de Amy Heckerling (“Clueless”, “Look Who’s Talking”, “Fat Times” y “Ridgemont High”), mientras que la producción correrá por parte de Pinkett Smith y Miguel Meléndez.

Levy, de 32 años, ostenta desde hace dos años el título del latino más atractivo del mundo del espectáculo según la revista People en Español y ha sido el protagonista de telenovelas de éxito como “Sortilegio”, “Cuidado con el ángel” y “El triunfo del amor”.

El artista nacido en Cojimar, Cuba, y que emigró a Miami a los 15 años, ha terminado recientemente de rodar dos películas para Lionsgate: “Addicted” y “Single Moms Club”, y ahora prepara “La Tempestad”, que se estrenará en la televisión hispana el próximo junio.

En una entrevista reciente, Levy dijo que sigue siendo “el mismo niño que salió de Cuba, aunque tenga hoy más responsabilidades”.

El artista cubano es uno de los hispanos que ha logrado hacer el “crossover” como quedó demostrado el año pasado en su exitosa participación en el popular programa de la televisión estadounidense “Dancing with the Stars”.

La nueva película, que se empezará a rodar a principios de 2014, es parte de los proyectos cinematográficos de Pinkett Smith, que ya ha llevado a la pantalla filmes como “The Matrix (La Trilogía)”, “The Secret Life of Bees” y “Free Angela and All Political Prisioners”.

La esposa del popular actor Will Smith también ha producido el nuevo programa de televisión de la artista estadounidense Queen Latifah que saldrá al aire a través de la cadena CBS el próximo 16 de septiembre.

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“Iron Man 3″ se convierte en el segundo mejor estreno de la historia en EEUU.

Los Ángeles.- “Iron Man 3“, con 175,3 millones de dólares, se convirtió este fin de semana en el segundo mejor estreno de la historia en Estados Unidos, justo un año después de que “The Avengers” batiera todos los récords existentes con un debut de 207 millones, informó hoy la web especializada Box Office Mojo.

La cinta dirigida por Shane Black y protagonizada por Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Guy Pearce, Rebecca Hall, Jon Favreau y Ben Kingsley, promedió algo más de 41.000 dólares por cada una de las 4.253 salas donde se exhibió.

Su éxito en tierras norteamericanas también tiene continuación en el extranjero, donde ya ha recaudado más de 500 millones de dólares.

En el filme, Downey Jr. vuelve a enfundarse el traje de hierro para enfrentar el mayor de sus desafíos hasta la fecha, un terrorista llamado “El mandarín” (Kingsley) que destroza el mundo de confort en el que vive el protagonista, quien tendrá que resurgir de sus cenizas para proteger lo que más quiere.

El segundo puesto fue para “Pain & Gain”, la cinta de Michael Bay con Mark Wahlberg, Dwayne Johnson y Anthony Mackie, que ingresó 7,6 millones de dólares.

La historia, basada en hech0s reales, trata sobre unos culturistas que deciden secuestrar a un millonario y cometer un fraude que les hará ganar dinero de forma rápida.

El tercer lugar lo ostenta “42″, la biografía sobre el jugador de béisbol Jackie Robinson, con 6,2 millones de dólares.

La cinta dirigida por Brian Helgeland y con Harrison Ford en un papel secundario narra el acoso de compañeros de profesión y la presión de los medios de comunicación a los que tuvo que hacer frente Robinson para convertirse en el primer jugador negro que consiguió entrar en las Grandes Ligas.

La película de ciencia ficción “Oblivion”, de Joseph Kosinski, ocupó la cuarta posición con 5,8 millones.

La cinta lleva al espectador a una Tierra postapocalíptica donde el héroe (Tom Cruise) afronta un viaje de redención y descubrimiento en su lucha por salvar a la humanidad tras una guerra atómica contra hordas alienígenas.

El quinto puesto fue para la comedia familiar de animación “The Croods”, con 4,2 millones de dólares.

La película propone una aventura en 3D sobre la primera familia prehistórica que existió en la Tierra y el viaje en el que se embarcan sus miembros para emprender una nueva vida cuando la cueva en la que vivían queda destruida.

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Kuno Becker, en el papel del general Ignacio Zaragoza, durante una escena de “Cinco de mayo: la batalla”, la película más cara en la historia de México.

México.- Después de haber rodado la película más cara de la historia del cine mexicano, “Cinco de Mayo: La Batalla”, el director Rafa Lara está convencido de que México está listo para hacer grandes y épicas producciones.

“El cine mexicano está listo también para las películas épicas, para las películas grandes que nos ayuden no solamente a recordar, sino también a honrar su propia historia”, dijo el director en la presentación de su último filme, que se estrenó el pasado 3 de mayo.

Con un presupuesto que ha superado los 80 millones de pesos (6.5 millones de dólares), la cinta cuenta la batalla registrada en 1862, cuando el ejército francés de Napoleón III invadió México con la idea de instaurar una monarquía junto a los conservadores mexicanos, y con la finalidad de invadir Estados Unidos.

El general mexicano Ignacio Zaragoza (interpretado por el actor Kuno Bécker) preparó la defensa en la ciudad de Puebla, al mando de un ejército inexperto, inferior en número y pobremente armado, y logró vencer a las tropas francesas.

“Durante décadas los mexicanos hemos estado acostumbrados a ir al cine y pagar un boleto para honrar a los héroes de otros países”, dijo Lara, quien cree que ahora es tiempo de honrar a los héroes de esta nación.

En este sentido se manifestó una de las actrices del filme, la mexicana Angélica Aragón, quien aseguró que exacerbar la identidad nacional “nunca sale sobrando” porque “es bien importante tener una referencia de dónde venimos y de quiénes somos”.

Aragón explicó que, si bien el 5 de mayo es la festividad más importante de la comunidad latinoamericana en Estados Unidos, no todo el mundo sabe lo que representa y por ello este filme es importante para que la gente conozca la relevancia histórica que tuvo la batalla.

“Es importante entender no solo por qué es importante para nosotros el haber vencido al ejército francés en ese momento, sino por qué los norteamericanos están tan agradecidos y por qué (Abraham) Lincoln le escribe a (Benito) Juárez agradeciéndole el haber detenido la invasión”, dijo.

Este patriotismo es lo que más le sorprendió al actor español William Miller, ya que en su país, aseguró, no se siente de ese modo.

“Es muy curioso y bonito ver ese sentimiento patriótico que tienen ustedes acá”, señaló el actor, que interpreta a Charles Ferdinand Latrille, conde de Lorencez, el general que estuvo a cargo de la invasión francesa.

“Cinco de Mayo: La Batalla” fue filmada durante ocho semanas en diversos lugares del estado de Puebla (centro) y Veracruz (este) en “un tiempo récord”, con un equipo que llegó a superar las 700 personas, entre ellas 300 extras que encarnaban a los soldados franceses y mexicanos.

Según el director, gran parte del equipo consideraba la película al inicio imposible de hacer, sobre todo por el poco tiempo destinado al rodaje ya que muchas de las escenas eran de toma única.

“Estamos felices del resultado en pantalla, de lo que como equipo logramos”, dijo Lara, quien agradeció al equipo, “un grupo de gente maravillosa que cree en el proyecto y piensa que es posible también en México hacer este tipo de películas”.

“Tuvimos que convencer a todo el equipo de que sí se podía rodar en ocho semanas. Tuvieron que hacer un sacrificio muy grande, fue uno de los grandes retos y se logró”, añadió.

“Cinco de Mayo: La Batalla” se estrena con 500 copias simultáneamente en los cines mexicanos y estadounidenses, y se exhibirá en el próximo Festival de Cannes.

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Por Julia Miranda

No es uno de esos directores que estrenan una película por año. Surgido del mundo de la ópera y dueño de un estilo visual sencillamente impactante, el australiano Baz Luhrmann suele tomarse un lustro para preparar cada proyecto, y por eso cada vez que uno de ellos llega a las salas es una verdadera fiesta para los sentidos. Fue asi con “Moulin Rouge!”, el musical protagonizado por Nicole Kidman que arrasó en los premios en 2002 y que ya ha se ha convertido en un verdadero clásico del género y lo mismo ocurrió con “Romeo + Juliet”, su inusual adaptación de la obra más romántica de Shakespeare que protagonizó Leonardo DiCaprio y que allá por 1996 hizo saltar la taquilla.

En “The Great Gatsby”, su versión de la famosa novela de F. Scott Fitzgerald, un clásico de la literatura norteamericana que ya ha sido llevado al cine en otras 3 ocasiones, Luhrmann lo ha vuelto a lograr. Aprovechando la magia del 3D de una manera totalmente diferente y demostrando que no sólo es útil para contar historias de superhéreoes, el gran realizador australiano ha logrado plasmar frente a nuestros ojos los grandes contrastes de la época del ’20, en la que está ambientada la historia, con un realismo que nos convierte en habitantes de aquellos tiempos . Lógicamente, tratándose de un director tan celebrado y prestigioso en la industria del cine, el elenco que le acompañó en el proyecto no podría haber sido mejor. El varias veces nominado al Oscar Leonardo DiCaprio interpreta a Gatsby, papel que en la década del ’70 hizo Robert Redford, en tanto que la nominada al Premio de la Academia Carey Mulligan encana a Daisy Buchanan, una mujer de la que es imposible no enamorarse. Otro nominado al Oscar, Tobey Maguire, hace las veces de Nick Carraway, el narrador de la historia y el ascendente actor australiano Joel Edgerton, a quien hemos visto recientemente en “The Odd Life of Timothy Green” y “Warrior”, sorprende convirtiéndose en Tom Buchanan, el despreciable antagonista del filme.

En “The Great Gatsby” todo comienza cuando Nick Carraway (Maguire) llega a Nueva York en busca del sueño americano, y consigue rentar por poco dinero una cabaña que tiene la peculiaridad de estar al lado de una gran mansión. Pronto comienza a escuchar rumores sobre el millonario que vive allí, un tal Gatsby que suele ofrecer fastuosas fiestas para quien pase por la puerta y en las que nunca se lo ve. Su curiosidad aumenta cuando recibe una invitación para asistir a una de las celebraciones de Gatsby, aunque pronto descubrirá que aunque en los fastuosos salones de la mansión hay miles de personas comiendo, bebiendo y bailando, el es el único que ha sido formalmente invitado. Es entonces que Gatsby (DiCaprio) aparece, forjandose entre los dos una sólida amistad, pero nada es casualidad. Nick es el primo de Daisy Buchanan (Mulligan), la mujer que le quita el sueño a Gatsby, y que ha sido suya alguna vez. Gatsby sueña con que Daisy deje a su esposo, el multimillonario Tom Buchanan (Edgerton) y cree que la única manera de lograrlo es demostrando que tiene aún mas dinero que él.

Como en todas las otras películas de Luhrmann, la música juega un papel fundamental. Decidido a hacernos sentir lo mismo que provocaba en los lectores de Fitzgerald las referencias a la música popular de la época, el director australiano decidió combinar la música tradicional de jazz que uno asocia con “The Great Gatsby” con el hip-hop y otros ritmos contemporaneos, por lo que convocó a Jay Z para que lo ayudara a crear la banda sonora, en la que también participan Beyoncé, André 3000, Florence and the Machine y Lana del Rey.

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Más de 450.000 personas disfrutaron del Festival de Tribeca de 2013 en Nuev York.

Nueva York.- Más de 450.000 personas asistieron a la última edición del Festival de Cine de Tribeca que se celebró en Nueva York del 17 al 28 de abril y en la que el drama “The Rocket” se alzó con el máximo galardón.

“Ha sido increíble poder vivir las películas y los eventos con nuestra audiencia durante los últimos doce días”, aseguró Jane Rosenthal, cofundadora del Festival de Cine de Tribeca.

Durante la duodécima edición del festival, hubo cerca de 400 proyecciones y paneles de discusión, que contaron con la asistencia de más de 95 % del aforo, informó hoy la organización a través de un comunicado.

“Es muy gratificante ver las reacciones del público”, dijo Rosenthal, quien destacó la participación de los asistentes en los paneles de discusión con los cineastas celebrados tras las proyecciones, lo que demuestra “que no hay mejor público que los neoyorquinos”.

Los aficionados al cine que no pudieron asistir a esta última edición, pudieron seguirla a través de internet, ya que con el Festival ofreció de manera gratuita el estreno mundial de cuatro cortometrajes, así como el acceso online a las discusiones con los directores y a la entrega de premios.

El público también se convirtió en parte del jurado del festival, ya que como cada año celebró una votación para premiar su película favorita, un reconocimiento que este año recayó en el filme “Lil Bub and Friedz”, de Andy Capper y Juliette Eisner, que recibió un premio de 10.000 dólares.

Más allá de las proyecciones de las películas, más de 6.000 visitantes disfrutaron junto al río Hudson de múltiples actividades y eventos comunitarios al aire libre con los que Tribeca quiso acercar esta cita cinematográfica al público en general.

El festival neoyorquino, fundado por Robert De Niro, Jane Rosenthal y Craig Hatkoff en 2001, también tuvo una gran proyección internacional este año, ya que contó con la presencia de 832 delegados de la industria de 36 países diferentes como Francia, Corea del Sur o Australia.

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Por Carlos Navedo

Impacto Latin News

Laura de la Uz en una escena de “La Película de Ana”.

La película de Ana, coproducción cubano-austriaca, con Laura de la Uz, Yuliet Cruz, Michael Ostrowski, Tobías Langhoff, Tomás Cao, Paula Alí, Enrique Molina y Blanca Rosa Blanco. Fotografía, Raúl Pérez Ureta. Guión, Daniel Díaz Torres y Eduardo del Llano. Director, Daniel Díaz Torres. En español y alemán.

En exhibición privada y una copia en nuestras manos, hemos disfrutado de la excelente cinta de Daniel Díaz Torres, La película de Ana. Díaz, de extensa filmografía  con un total de 16 largometrajes realizados en Cuba y títulos  donde destacan : Alicia en el pueblo de maravillas, Hacerse el sueco,  Kliene’s Tropicana, Perros salvajes, y Lisanka entre otros, se nos presenta cómo un realizador de primera línea y sin compromisos…Ana, es la historia de una actriz desempleada que decide por razones del destino hacerse pasar por una prostituta cuando una compañía de producción austriaca va a realizar un documental sobre el negocio más antiguo del mundo. Lleva su plan a cabo y lo hace tan bien que su personaje que convierte en el tema central de la cinta y causa completa del desmoronamiento de su vida privada. Helmut el director,  cae rendido de amor ante ella y esta fabrica de mentiras y enredos presagian un final donde todo se viene abajo.

Daniel Díaz Torres, da instrucciones a su elenco, Laura de la Uz, Michael Ostrowski, Yuliet Cruz y Tobías Langhoff. En el plató de “La Película de Ana”.

…Ana, ya dijimos es un trabajo de dirección muy meticuloso y bien hilado de Díaz Torres asi como su ingenioso guión coescrito con Eduardo del Llano. De basta creación fílmica Díaz se adjudicó en el  pasado Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, el premio Coral de guión y el premio Coral de actuación para su protagonista Laura de la Uz, de quien hablaremos más adelante.

En el pasado se ha abordado el delicado tema de la prostitución en el cine, por ejemplo en la época de oro del cine mexicano hay dos cintas que muestran con descarnada realidad los bajos mundo  de este negocio:  Santa de Antonio Moreno, con Lupita Tovar y Salón México de Emilio Fernández con Marga López. Pero tuvo que ser Federico Fellini quien humanizó la profesión de forma surrealista haciendo del mismo hech0 algo menos trágico sin caer en el melodrama.

Siempre hemos reconocido el talento de Laura de la Uz, a través de Fernando Pérez de quien suponemos es algo más que una una musa para él: una extraordinaria actriz. Laura quien nos deleitó en Hello Hemingway, en 1990, película que  le valiera su primer Premio Coral cómo mejor actriz (el segundo ha sido por La película de Ana), se ha convertido en una artista inalcanzable, nunca sin olvidar su Madagascar y El cuerno de la abundancia y a quien pudimos entrevistar en 1991, cuando recién había interpretado a la Larita de Hello Hemingway. Laura ha crecido tanto cómo actriz dramática que creemos que ha llegado a su máxima expresión interpretativa dado que el desdoblamiento del personaje  lo hace con motivaciones que otorgan al papel veracidad insuperable.

Yuliet Cruz, cómo la amiga, esplendida y también el austriaco Michael Ostrowski, el alemán Tobías  Langhoff, y los indispensables, Paula Alí, Enrique Molina y Blanca Rosa Blanco

Admirar, repito esta magnífica interpretación de Laura de la Uz, hace sentirnos tan orgullosos y satisfech0s cómo si fuéramos un padre quien ve crecer a un hijo en trayectoria triunfante.

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La miniserie “The Bible” se convertirá en una película.

Los Ángeles.- Mark Burnett, productor de “The Bible“, que llegó a su conclusión hace tres semanas, ha afirmado que planea estrenar en cines una versión condensada de esa miniserie, que consta de diez capítulos y unas 10 horas de metraje, informó hoy la web especializada Entertainment Weekly.

“Se trata de una versión de tres horas sobre Jesús”, dijo Burnett acerca de la adaptación cinematográfica de “The Bible”, que consiguió audiencias récord durante su emisión en el canal de televisión History Channel.

“Ya lo hemos hech0. Es un asunto de escoger cómo estrenarla”, comentó el productor, cuyo plan es estrenar la película en salas estadounidenses en otoño.

Además, Burnett confirmó que existen negociaciones para rodar una continuación de la miniserie, aunque es un proyecto que podría tardar más de un año en ver la luz.

“Tengo guiones sobre lo que vamos a hacer ahora. Somos gente de fe, así que no se trata de un ‘show’ para nosotros. Para todos aquellos que no creían en nosotros hace tres años y decían que nadie iba a ver ‘La Biblia’ en televisión, me alegro de que estuvieran equivocados”, apuntó.

“The Bible” se despidió a finales de marzo con 11,7 millones de espectadores, si bien su récord se situó en su noche inaugural, el 3 de marzo, con 13,1 millones.

La miniserie se vio envuelta en una gran polémica por el parecido físico entre el personaje del demonio, interpretado por el actor marroquí Mohamen Mehdi Ouazanni, y el presidente de EE.UU., Barack Obama.

“Es desafortunado que alguien establezca esa conexión falsa”, se aseguró desde History Channel en un comunicado en el que se afirmó que “guarda un respeto máximo por el presidente Obama”.

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Impacto Latin News

Diseño & Desarrollo Social

Cartel de la exhibición de Diseño y Desarrollo Social.

Una muy interesante exposición con el tútulo de Diseño & Desarrollo Social, tuvo por sede el Consulado de la República Argentina el pasado 11 de abril, sobre miradas y propuestas desde la enseñanza en la Facultad de Arquitectura , Diseño y Urbanismo en la Universidad de Buenos Aires.

Asistieron a la misma y disertaron representando dicha facultad el arquitecto Guillermo Cabrera, secretario académico; Gabriel Misuraca, secretario general; Ariel Pradelli, secretario operativo; y los profesores  Juan Pablo Scaglia y Marcelo Lorelli.

La muestra tuvo cómo finalidad la ilustración sobre los diferentes aspectos, la misma que desde 1984, con la incipiente democracia argentina, la tradicional  Facultad de Arquitectura y Urbanismo (FAU) comenzó a trasformarse.

Dicha facultad creó las carreras de Diseño Gráfico y Diseño Industrial en 1985; Diseños de Indumentaria y Textil, Imagen y Sonido en 1990; y Diseño y Planificación del Paisaje en 1992.

También significó que la FAU se convirtiera en FADU o sea Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo, contando con una población estudiantil de 25,000 alumnos.

El concepto de diseño a partir  de los nuevos profesionales egresados de esta facultad dió cómo resultado en el ámbito urbano la transformación de algunos barrios de la ciudad de Buenos Aires.

Esta exposición gráfica  que consta de objetos, edificios, indumentaria, campañas de divulgación así cómo estrategias de producción e inclusión estará abierta al público hasta el 25 de abril, de 11 am a 5 pm, en el Consulado General de la República Argentina, 12 West de la Calle 56.

Expo del Inmigrante

El doctor Alfredo Placeres, David González, Juan Luis Cando, Ximena Hidalgo Ayala, Luz Marina Mejía y Carlos Navedo.

Con el patrocinio del semanario Impacto, Healthfirst, Inca Cola, la Cámara de Comercio Chilena, entre otras organizaciones , se llevó a cabo en Casa Puebla New York, la Expo del Inmigrante, donde se ofreció información gratuita a la comunidad de: oportunidades universitarias, beneficios de salud, derech0 del trabajador, clases de ciudadanía, ingles y computación y del proyecto de ley para una reforma migratoria. El abogado Alfredo Placeres, fue en coordinador general de esta expo en colaboración con el señor Jaime Lucero, presidente de Casa Puebla New York así cómo de la 12 Edición del Festival 5 de Mayo a celebrarse el domingo 5 de mayo en parque Flushing  Meadows de Queens, de 10 am a 6 pm.

Bigas Luna

El director cinematográfico Bigas Luna.

La llevó en secreto hasta su muerte, Bigas Luna el más erótico realizador español de los últimos años, falleció de leucemia a los 67 años de edad, en su masía de Tarragona, España, junto a su esposa, tres hijas, su huerto, una chica marroquí que le amasaba el pan, ¡Ah! y su gallo Obama.

Nos dejó una filmografía de 18 títulos, llenos de ecología y sexualidad y donde destacan: Las edades de Lulú, La camarera del Titanic, Volavérunt, Yo soy la Juani y su inmortal triología: Jamón, jamón,  León de Plata en Venecia; Huevos de oro y La teta y la luna. Y cómo no mencionar sus tres descubrimientos para la posteridad: Penélope Cruz, Javier Bardem y Jordi Mollá. Su último filme Segon origen, se encuentra en proceso de preproducción.  

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La primera película sobre el huracán Sandy habla español en Tribeca.

Nueva York.- El huracán Sandy se coló literalmente en el rodaje de “Stand Clear of the Closing Doors”, cambiando el ritmo de su narrativa y dando a su director, Sam Fleischner, la oportunidad de retratar el poder devorador de la naturaleza en medio de una historia de autismo en la comunidad latina de Nueva York.

“Stand Clear fo the Closing Doors”, protagonizada por los mexicanos Andrea Suárez Paz y Tenoch Huerta Mejía y el adolescente autista boricua Jesús Sánchez, ha sido seleccionado para la competición del Festival de Tribeca, y ha acaparado titulares por estrenar en pantalla grande el ciclón tropical acaecido en octubre de 2012 sin necesidad de recrearlo.

Fleischner, que vive en el barrio de Queens donde se ambienta el filme, perdió su casa pero no dejó de rodar, aunque el resultado esté muy lejos del cine catastrofista.

“La llegada del huracán a nuestra película representaba exactamente el discurso que quería articular de una manera profunda. Mirar al mundo con apertura a lo que pueda suceder y entender que la creación nace de la destrucción”, explica en una entrevista con Efe.

Antes de la llegada de ese robaplanos llamado Sandy, “Stand Clear of the Closing Doors” era la historia de Ricky, un niño autista que se escapa de su casa y, con su mirada entre absorta y dispersa, se pierde en la inmensa pluralidad visual que ofrece el metro de Nueva York.

“Quería enseñar cómo la gente llega a mirar con indiferencia a la belleza de cada día. A cosas ordinarias que son en realidad extraordinarias”, reconoce este cineasta cuya anterior película, “Wah Do Dem”, le posicionó como una nueva mirada del cine independiente estadounidense.

Jesús Sánchez es el joven actor no profesional del que se nutre el filme y quería “que la película fuera lo mejor posible”, confiesa a Efe, confiando en el director y viviendo la historia de Ricky como una experiencia compartida, por su autismo y por ser la primera vez que viajaba a Nueva York y utilizaba el metro. Hasta que el director dio con él, el rodaje estuvo paralizado durante un año.

A esa mirada al mundo, sin reparar en causas ni consecuencias, se opone la de una madre, interpretada por Andrea Suárez, que comienza una búsqueda desesperada de ese hijo al que había dedicado hasta entonces toda su atención, descubriendo con su ausencia todas las carencias que el resto de su vida a ido adquiriendo.

“No sé si es fuerte o débil, no puedo juzgarla. Simplemente es una persona que se enfrenta a un shock y tiene que replantearse todo aquello que nunca había puesto en duda”, explica esta actriz mexicana que hace nueve años se trasladó a estudiar a Nueva York y consiguió su primer papel protagonista al encontrarse a Fleischner en un parque de Brooklyn.

Una casualidad más para una película que luchará por abrirse un hueco en el palmarés de Nuevas Narrativas del Festival de Tribeca, que se hará público el domingo 28 de abril.

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La argentina Julia Solomonoff lidera el grupo de latinos becados por Tribeca.

Nueva York.- El Tribeca Film Institute de Nueva York renovó este sábado su compromiso con el cine latino otorgando becas que suman 130.000 dólares a los nuevos filmes de cineastas como la argentina Julia Solomonoff, que recibió el premio Heineken Voces para proyecto de ficción por su proyecto “Nadie está viendo”.

David Romberg, de ascendencia argentina aunque nacido en Estados Unidos, consiguió el mismo premio en la categoría documental por “El hombre del simio”, en una gala en la que se resaltó tanto el prestigio del cine latino en sí, como el valor añadido que la emigración latina ha aportado al cine estadounidense.

Tras un debut producido por Pedro Almodóvar, “El último verano en La Boyita”, Solomonoff se mudó a Nueva York para estudiar en la Universidad de Columbia y abordará en “Nadie está viendo” “una mirada a los latinos en Nueva York que no son percibidos como tales. Como Martina (Broner, su guionista) y yo, que parecemos alemanas”, aseguró en unas declaraciones a Efe.

Con los 10.000 dólares de beca podrá levantar esta nueva película, que ha creado “después de muchas horas de soledad escribiendo en la mesa de la cocina”, reconoció al recibir el premio.

Romberg, en cambio, utilizará esa misma cantidad de dinero para la postproducción de “El hombre del simio”, un cruce entre realidad y ficción que conduce a la búsqueda de sí mismo y la historia de su familia.

Argentina, Brasil o Israel son los países que recorre “una estructura complicada” en la que entrevista a un actor que hace de sí mismo cuando era niño.

“Es sobre la memoria y la infancia, buscando a ese hombre del simio que me contaba mi padre y que puede que no exista”, explicó el cineasta a Efe sobre su debut en el largometraje.

El Tribeca Film Institute completó su apoyo a los nuevos talentos latinos con varios programas de ayuda. Por un lado, las becas de 12.000 dólares que otorga a través de Bloomberg serán este año para la chilena “Los niños”, de Maite Alberdi Soto; la brasileña “La ciudad donde estoy envejeciendo”, de Marilia Rocha, y la mexicana “El secreto ajeno”, de Héctor Barrios.

Por otro lado, a través del Latin America Media Arts Fund, reconoció con 10.000 euros las producciones “Las chicas detrás de la cámara” (Argentina), de Paula Schargorodsky, y las mexicanas “Los días no vuelven”, de Raúl Cuesta; “La hora de la siesta”, de Carolina Platt, y “Plaza de la Soledad”, de Maya Goded.

Finalmente, la beca World View Partnership, también con una dotación de 10.000 dólares, recayó en “El barril”, de Venezuela y dirigida por Anabel Rodríguez Ríos; “Con la noche adentro”, de Bolivia y dirigida por Sergio Estrada, y “Nadando en tierra firme”, de Jamaica y realizada por Michelle Serieux.

La concesión de estas ayudas coincide con la celebración del Festival de Tribeca, que tiene lugar desde el pasado 17 de abril y hasta el próximo domingo en Nueva York.

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Festival latino de Chicago reconoce trayectoria del cubano Jorge Perugorría.

Chicago.- El actor y director cubano Jorge Perugorría, que hoy será premiado en el Festival de Cine Latino de Chicago por su trayectoria, dijo que Cuba ha cambiado y es más tolerante por la influencia del papel crítico desempeñado por el cine y los artistas en la sociedad.

“Cuba es hoy mucho más tolerante que en los años 70 y 80, los cambios y la evolución siguen, el arte ha jugado un papel muy importante con su cuestionamiento y el pensamiento crítico ha sido una fuerza fundamental”, dijo en una entrevista con Efe.

Según el actor, quedaron atrás los campos de trabajo para homosexuales, el “quinquenio gris” donde fueron perseguidos escritores e intelectuales y la etapa donde las personas que se iban de la isla eran marginadas.

“El país está sumergido en cambios y vivimos momentos interesantes”, afirmó.

Perugorría, de 48 años, señaló que el Premio Gloria otorgado por el festival es el primer reconocimiento que recibe por su obra y lo hace en nombre de toda la gente que ha trabajado con él en más de 50 películas.

Expresó que el arte es trabajo, “y he trabajado mucho y me he enriquecido como ser humano”, en un viaje donde destacó la labor de Tomás Gutiérrez Alea (Titón) y Juan Carlos Tabío, directores de “Fresa y Chocolate”, la película de 1993 que se convirtió en un clásico y lo hizo conocido internacionalmente.

También mencionó a los directores Bigas Luna (España), recientemente fallecido; Miguel Litín (Argentina), Ruy Guerra (Brasil) y Humberto Solás (Cuba).

Antes de recibir el premio, Perugorría estuvo presente en dos exhibiciones especiales de “Fresa y Chocolate” para festejar el vigésimo aniversario de la película que calificó de “canto a la diversidad que sacudió la conciencia cubana”.

En ella interpretó a Diego, un intelectual gay discriminado por sus preferencias sexuales y su pensamiento crítico sobre la ortodoxia soviética de la época.

El guión, que fue premiado en el Festival de Cine de La Habana, fue adaptado por Senel Paz de su cuento “El bosque, el lobo y el hombre nuevo”.

“No fue fácil pero era una película necesaria sobre el respeto a las diferencias en la isla que rompió esquemas y demostró que Cuba estaba llena de contradicciones y de personas que pensaban diferente”, dijo Perugorría.

Antes de llegar al cine hizo carrera en el teatro, donde comenzó a actuar en el grupo Albatros en 1984, y participó en series televisivas.

Su debut en la pantalla grande fue en 1991 con el mediometraje “Boceto” de Tomás Piad, donde hizo un desnudo frontal.

En 1990 había contribuido con la fundación del Teatro El Público de La Habana, cuya primera puesta en escena fue “Las criadas” de Jean Genet, una obra donde dos hombres interpretan papeles de mujer.

“Yo hice de Clara y eso me ayudó con la gestualidad femenina y el manerismo que después me permitirían aprovechar mi primera gran oportunidad en el cine”, señaló, aunque su intención al presentarse al casting que realizaba el director “Titón” era conseguir el personaje del estudiante David, luego interpretado por Vladimir Cruz.

“El resultado fue tan bueno que luego ‘Titón’ dijo en broma que íbamos a filmar Guantanamera (1995) para reivindicarme, donde me dio el papel de camionero machista con una mujer en cada provincia”, recordó.

Además de actuar, ha dirigido documentales y los largometrajes “Afinidades”, “Amor crónico” (que exhibió en Chicago) y “Se vende”, recién estrenado en La Habana. Como pintor y escultor ha realizado muestras en Cuba, España, Estados Unidos e Italia.

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“Filly Brown” se estrena este viernes bajo una gran expectación por ser la primera y única actuación en la pantalla grande de la cantante Jenni Rivera.

Miami.- “Filly Brown” se estrena este viernes bajo una gran expectación por ser la primera y única actuación en la pantalla grande de la cantante Jenni Rivera, “La Diva de la Banda”, quien falleció en un accidente aéreo en México en diciembre pasado.

“Filly Brown” es el nombre de guerra que adopta María José “Majo” Tonorio, interpretada por la actriz Gina Rodríguez, y que en la historia es una compositora de música rap e hija de María Tonorio, interpretada por Rivera.

Aunque Rivera aparece en sólo cuatro escenas, el largometraje ha generado un gran interés entre el público hispano de Estados Unidos al convertirse en la obra póstuma de la popular cantante.

El experimentado actor mexicano Edward James Olmos dijo que compartir escena con la artista fue una experiencia “increíble” y aseguró que ella “se sentía muy bien” en el papel que interpretaba: una madre drogadicta que cumplía condena en la cárcel.

“Trabajar con ella fue un sueño, porque fue la primera vez que tocó la actuación dramática y fue increíble. Estábamos muy contentos por trabajar juntos”, señaló el actor.

De la misma opinión es Gina Rodríguez, quien aseguró: “Todo el mundo que ame y adore a Jenni Rivera ha podido ver quién era. Trabajar con ella fue una bendición. Cada día tengo que dar las gracias por haber trabajado con ella”.

Rodríguez considera que Rivera pasó con nota su puesta en escena en la película. “Su papel la convierte en una gran actriz ya que ella interpreta lo opuesto a lo que en realidad es, y de eso trata la actuación”, explicó la protagonista del filme.

“Yo la ayudé a actuar y ella me ayudó en la música”, reconoció la joven actriz en relación a la estrecha colaboración que mantuvieron durante el rodaje del filme.

Pese al fatal desenlace, Jenni Rivera tuvo la oportunidad de ver “Filly Brown” durante el Festival de cine de Sundance, en Utah.

“Cuando vimos la película en Sundance le encantó. La vio por primera vez con gente y entendió que (su papel) unía la trama de la película”, explicó Olmos.

“Salió de la película muy contenta y yo le dije que había hech0 algo muy bonito. Yo sé que ella está aquí con nosotros”, sostuvo Olmos mirando hacia el cielo.

En una entrevista anterior, el productor de la película Edward Ríos dijo que esta producción demuestra “que Jenni podía tocar el corazón de diversas audiencias, ya sea en inglés o español”.

“Con la actuación de Jenni, la industria cinematográfica de Hollywood tiene que saber que en la comunidad de artistas latinos hay otros que pueden hacer lo mismo”, indicó.

En opinión del productor, con su trabajo, la Diva de la Banda demostró que “ambas culturas pueden coexistir, así todos ganamos, muchos de nuestros hogares tienen esos dos componentes culturales y con esa convivencia agradable y pacífica así puede ser el resto del país”.

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Por Carlos Navedo

Impacto Latin News

Cuando Robert Rodríguez irrumpió en la industria del cine con El mariachi, habiendo empleado unos siete mil dólares cómo costo total de producción y un reparto de actores no profesionales, este precedió una serie  de nombres que hasta nuestros días han marcado pauta, obteniendo éxitos sin precedentes en la historia de Hollywood. Rodríguez, estableció una reputación respetable en La Meca del Cine  y su mariachi fue incluida en el registro nacional de películas en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser “cultural, histórica y estéticamente de gran significado al público”.  Recordemos a dos realizadores posteriores a Robert, que también han hech0 historia en muy poco tiempo en el cine norteamericano. Alejandro González Iñárritu, autor de las aclamadas mundialmente: Amores perros, 21 Grams, Babel y Biutiful, cintas que han generado 12 nominaciones al premio Oscar, así cómo un lugar de privilegio para este director en su medio. El otro en cuestión es Guillermo del Toro, quien además  hace en algunas ocasiones la labor de productor y actor. Este artífice de la ciencia ficción, el horror y el suspenso tiene en su cartera títulos cómo: Cronos, …Y tú mamá también , El laberinto del fauno y El orfanato.

Habiendo dicho esto nos referiremos a la nueva adquisición de Hollywood, el director uruguayo Fede Álvarez, que acaba de dirigir la nueva versión del clásico de Sam Raimi, Posesión infernal. Álvarez, se obsesionó con la primera entrega de esta historia, la cual alquiló en un video club de Montevideo con un amigo, con la intención de de buscar algún filme que les aterrara al máximo. Dice Fede, “que fue la experiencia más terrorífica que había recibido hasta entonces”.

¿Cómo llegó Fede Álvarez a ser considerado para dirigir una segunda versión de Posesión infernal? Pues por la producción de un corto de cinco minutos titulado Ataque pánico y que él mismo se encargó de pasar por You Tube en noviembre de 2009 y que hoy supera los siete millones de visitas. Su éxito instantáneo le valió firmar con la productora  de Sam Raimi , para  recrear nuevamente esta película de ciencia ficción, donde Sam confió a plenitud en el talento de este fresco realizador para una segunda entrega de su obra cumbre, pero por supuesto comenzando de cero.

Se hizo una nueva adaptación de acuerdo a nuestros días , sin abusar de las tecnologías actuales y usando efectos especiales clásicos de este tipo cine.

Según las palabras de Fede Álvarez, “el público prefiere que le muestren las cosas más reales”.

Con  este último ejemplo, para ser precisos, en su incorporación al medio de habla inglesa Álvarez nos demuestra , que cuando se abren las puertas al genuino talento, no existe la descriminación cómo suele clamar el talento mediocre de habla hispana que con sus  escasas posibilidades anda ondeando siempre la consabida banderita de no he sido tomado en cuenta. Son muchos los ejemplos que podríamos citar, pero en fin, para no entrar en dimes y diretes, llegamos a una conclusión: que cuando existen la  calidad y el talento no valen la retorica ni los peros.

Posesión infernal, tuvo su estreno mundial en los Estados Unidos, Canadá y España en cines de circuito, el pasado fin de semana.

La 56 Gala anual de entrega de premios Emmy, capítulo de Nueva York estará llevándose a cabo el próximo domíngo 14 de abril, en el Marriott Marquis Hotel, en el Broadway Ballroom, del área de Times Square. Por este motivo, su directora ejecutiva, Jacqueline González, ofreció a todos los nominados y amigos, una recepción que se llevó a cabo en el yate Zephyr, que partió del muelle 16 de South Street Seaport. Un recorrido por la bahía cubrió la Estatua de la Libertad, Governors Island, el distrito de Wall Street, el puente de Brooklyn y una maravillosa vista de los rascacielos neoyorquinos. Se ofreció una deliciosa cena, todo cortesía de los anfitriones Circle Line Downtown & New York Water Taxi, y por supuesto el capítulo de Nueva York de la National Academy of Television Arts & Sciences. Nuestro más sincero agradecimiento a la incansable Jacqueline González. –Fotos Jaime del Hoyo-.
                                                   

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Originalmente estrenada en 1981 como “The Evil Dead”, el filme se convirtió en un éxito del cineasta Sam Raimi (“Spider-Man”), quien confió en Álvarez para resucitar la historia después de ver su cortometraje de ciencia ficción “Ataque de pánico”.

“Evil Dead” debutó en más de 3.000 salas de cine en EE.UU. y trata sobre los sucesos paranormales que les suceden a un grupo de jóvenes que invoca a una fuerza maligna en una cabaña en medio de un bosque.

La película de animación ambientada en la prehistoria “The Croods” y la cinta de acción basada en muñecos de juguete “G.I. Joe: Retaliation” cosecharon cada uno 21,1 millones de dólares entre el viernes y el domingo.

No decepcionó el regreso a la gran pantalla de “Jurassic Park”, producción de Steven Spielberg que hizo furor en la década de los noventa, que se convirtió en trilogía y de la que se espera una nueva secuela, que volvió a la cartelera en versión estereoscópica para celebrar su vigésimo aniversario.

“Jurassic Park” en 3D hizo 18,2 millones de dólares, mientras que el “thriller” “Olympus Has Fallen” cerró su balance del fin de semana con 10 millones de dólares, un número similar que el obtenido por “Tyler Perry’s Temptation: Confessions of a Marriage Counselor”.

“Oz The Great and Powerful” siguió incrementando su facturación en su quinta semana en los cines del país y ganó 8,1 millones de dólares.

“The Host”, “The Call” y “Admission” completaron la lista de las diez películas más taquilleras del fin de semana por lograr 5,2, 3,5 y dos millones de dólares, respectivamente.

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La distribuidora Venevision International anunció hoy que presentará veinticinco películas clásicas de la era dorada del cine mexicano completamente restauradas en alta definición.

Miami.- La distribuidora Venevision International anunció que presentará veinticinco películas clásicas de la era dorada del cine mexicano completamente restauradas en alta definición (HD).

Las películas fueron meticulosamente restauradas y editadas por el equipo técnico experto de la empresa Olympusat, quienes repararon los defectos de material y corrigieron la calidad de color y audio en su totalidad, explicó la compañía en un comunicado.

“Cuando evalúo los negativos originales en las que fueron filmadas estas películas, me doy cuenta que en ese tiempo cuando fueron realizadas era imposible lograr la calidad en que se encuentran ya restauradas”, dijo Alex Agrasánchez, presidente de Movie-Mex International.

La distribuidora, de la Organización Cisneros, presentará esta colección en la próxima edición de la feria más importante del mercado audiovisual, el MipTV, que celebrará su 50 aniversario del 8 al 11 de abril en Cannes, Francia.

“El poder ver estas películas como se ven, ya que han sido restauradas, es una sensación increíble”, enfatizó sobre una colección que ayuda a conservar la historia de esa época del cine mexicano.

Tom Mohler, fundador y director ejecutivo de Olympusat, añadió: “Reconozco que la cultura es bien importante. Preservar esa cultura para una nueva generación es aún más importante, no sólo por el lenguaje, sino por su valor histórico”.

“Siento que estamos restaurando la historia, y al restaurar la historia a través de estas películas, estamos contribuyendo a la preservación de la cultura”, concluyó el ejecutivo, que calificó la experiencia de “totalmente alucinante”.

Entre las películas renovadas figuran “La Vida No Vale Nada” (1954), con Pedro Infante y Rosario Granados; “La Escondida” (1955), con María Félix y Pedro Armendáriz; “Camino De Guanajuato” (1955), con Lola Beltrán, José Alfredo Jiménez y Demetrio González; “Aquí Está Tu Enamorado” (1962), con Antonio Aguilar y Flor Silvestre y “Los Sánchez Deben Morir”, con Javier Solís, Lucha Villa, Fernando Casanova y Rosa María Vázquez.

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LA UNIVERSALIDAD DE VIOLETA PARRA

Programa de mano de Violeta se fue a los cielos.

Violeta se fue a los cielos, con Francisca Gavilán, Thomas Durand, Christian Quevedo, Gabriela Aguilera, Roberto Farías y Marcial Tagle. Guión Eliseo Altunaga, basado en la memorias de su hijo Ángel Parra. Director, Andrés Wood. En español y francés, con subtítulos en inglés. Estreno  en el Lincoln Plaza Cinemas y el Quad Cinema.

Esta producción chilena basada en las memorias de Ángel Parra sobre la vida de su madre la folklorista Violeta Parra, nos presenta facetas desconocidas de la lúgubre y penosa vida de esta talentosa artista. Cuando en su época, tal vez el bipolarismo no fuera diagnosticado cómo tal, era por supuesto totalmente bipolar: tempestuosa, deprimente, arrogante, amorosa además de albergar todos los estados anímicos que puedan desarrollar  en un ser humano. Conocida por el público por sus temas y poesías, el tiempo ha convertido a Violeta Parra en  símbolo de su época y paladín de las causas justas. Esta folklorista universal cuyos temas fueron cantados por innumerables figuras del mundo de la canción tanto latinoamericanas como españolas  y norteamericanas –Joan Baez, Mercedes Sosa, Alberto Cortés, Miguel Bosé, Silvio Rodríguez-, recopiló y descubrió temas inéditos de su tierra, ofreciéndoselos al público de su país los cuales contribuyeron al enriquecimiento del folklore autóctono de su natal Chile. Mujer de innumerables facetas incursionó en la pintura, la tapicería y hasta en el circo, en su ir y venir al deambular por la vasta geografía chilena.

Francisca Gavilán y Carlos Navedo en el pase de Violeta se fue a los cielos.

Su trágico final fue tan solo un producto de la insatisfacción de su difícil y penosa niñez, cuyas circunstancias marcaron su vida para siempre. A pesar se sus éxitos en Polonia, Paris, Finlandia, Italia ,Argentina, Bolivia , y sus dos amores, su marido y más tarde el músico suizo Gilbert Favre, su existencia siempre estuvo marcada por un fatalismo crónico.

Bajo la diestra y atinada dirección de Andrés Wood, la sensitiva y extraordinaria actriz Francisca Gavilán nos comunica con atinada proyección el personaje de una Violeta Parra, cómo mujer de muchos discordantes matices de personalidad. La cinta ofrece una excelente cinematografía, de unos paisajes yermos pero muy hermosos y una imponente cordillera de los Andes, donde tocó vivir a Violeta. Si quisiéramos clasificar, Violeta se fue a los cielos, en que categoría cinematográfica situarla tal vez se nos ocurriría en llamarla cómo un filme lleno de viñetas y “flashbacks” pero de mucho arte y calidad. Podríamos añadir aún más,  que este controversial personaje con tan dispares matices es un reto para cualquier actriz y que tan solo las de grandes escuelas, en esta caso  Francisca Gavilán, es quien se puedes pasear entre las grandes interpretes de nuestro cine.  

Carlos Gutiérrez, codirector de Cinema Tropical; Francisca Gavilán, Andrés Wood, director de Violeta y Jon Perales, critico jefe de música Pop, del diario The New York Times.

Abatida por el fracaso de la tienda establecida en la comuna de La Piroka, con plan de convertirla en centro de referencia para folkloristas y el dramático final de un relacionamiento amoroso, se suicida el 5 de febrero de 1967 a la temprana edad de 49 años. Y muy a pesar de todos estos tropiezos, Violeta Parra siempre dió GRACIAS A LA VIDA.

Francisca Gavilán interpretando a Violeta Parra.

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Los Amantes Pasajeros

Los amantes pasajeros

No hay tregua ni luna de miel entre la prensa especializada de España y el director manchego, Pedro Almodóvar. Su cinta “Los Amantes Pasajeros”, la número 19 de su carrera ha sido vapuleada por la mitad de la critica de su país, pero esto no motivó que el público español no la respaldara, abarrotando las salas cinematográficas de la principales ciudades de la península. Los amantes… que en inglés llevará el título de I’m So Exited, narra la historia de un grupo de pasajeros que viajan en una hipotética línea aérea – Península Airlines- desde España hasta México D.F. y por supuesto su trama se desarrolla casi en su totalidad dentro del avión .

Un elenco de lujo encabezado por Javier Cámara, Raúl Arévalo, Carlos Areces, Lola Dueñas –de grata recordación en Volver-, la argentina Cecilia Roth, una regular de Pedro y de muy admirado trabajo en Todo sobre mi madre; el actor mexicano José María Yazpik, Antonio de la Torre, Guillermo Toledo y la actuaciones especiales o cameos de: Antonio Banderas, Penélope Cruz , Paz Vega y Carmen Machi, componen esta entramada película.

Desarrollada en tono de comedia desaforada y moral, llena el tiempo de confesiones imprevisibles que ayudan a sus protagonistas a  olvidar la angustia del momento y enfrentarse al mayor de los peligros: el que cada uno lleva dentro de sí mismo.

Los amantes pasajeros esta siendo un rotundo éxito de taquilla en España  y acumuló la respetable suma de dos millones de euros en su primer fín de semana de exhibición . De seguro, posiblemente a final del próximo otoño este interesante trabajo de don Pedro Almodóvar nos acompañe en las pantallas de La Gran Manzana.

NUEVA YORK CINE EN ESPAÑOL

No, de Pablo Larraín, con Gael García Bernal.

Dos cintas chilenas, una argentina y una española, engalanan las carteleras de nuestra ciudad en estos momentos. No, de Pablo Larraín, con Gael García Bernal, candidata al Oscar en la pasada edición, se pasa en el Lincoln Plaza Cinemas y Angelika Film Center; Violeta se fue a los cielos, con Francisca Gavilán de Andrés Wood, tiene sus funciones en Lincoln Plaza Cinemas y Quad Cinema; Todos tenemos un plan, con Viggo Mortensen, en el Angelika Film Center y por último, Blancanieves, la superproducción española de Pablo Berger, ganadora de 10 premios Goya, con Maribel Verdú, Daniel Giménez Cacho y Ángela Molina, en el cine París. ¿Verdad que hay cine de calidad hablado en castellano y para todos los públicos? Señores a ver nuestro cine.

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¿Cómo interpretas a alguien a quien odias? Pero me di cuenta de que era muy interesante y me dio una nueva perspectiva de lo que mi trabajo como actriz podía llegar a ser”, explicó Watson.

Londres.- La actriz Emma Watson abandona sus papeles de niña buena y se rebela contra Hollywood con un personaje que “odia”, según confesó en una entrevista a GQ para el Reino Unido y que adelantan hoy los medios británicos.

La publicación, que saldrá a la venta el jueves, saca en portada a quien interpretara a Hermione Granger en la saga de Harry Potter, que deja su imagen angelical para posar de forma seductora con un vestido que recuerda al de Julia Roberts en “Pretty Woman”.

Luciendo tatuajes, puños americanos y estética agresiva, Watson presenta a su último personaje, una ladrona que “encarna” todo lo que odia y que escogió por ser una “reflexión” sobre la vanidad y la fama en la meca del cine.

En su última película, dirigida por Sofía Coppola, la actriz de 22 años lidera a un grupo de adolescentes obsesionados con la fama que siguen a personajes conocidos hasta sus casas para robarles.

“Cuando leí el guión me di cuenta de que básicamente era una reflexión sobre la fama y en lo que se ha convertido nuestra sociedad. Tenía que hacerlo”, cuenta Watson a la revista.

El rechazo que le producía su personaje -que llegó a odiar, asegura en la entrevista- contribuyó aún más a su decisión de aceptar el papel por el “gran reto” que conllevaba para su carrera interpretar a alguien radicalmente opuesto a su personalidad.

“Es superficial, materialista, vanidosa y amoral. ¿Cómo interpretas a alguien a quien odias? Pero me di cuenta de que era muy interesante y me dio una nueva perspectiva de lo que mi trabajo como actriz podía llegar a ser”, explicó a la publicación.

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La historia de la compleja e improbable amistad entre David, un estudiante provinciano, comunista y heterosexual, y Diego, un homosexual culto y escéptico en una Cuba homofóbica, conmovió a los espectadores y llenó al filme de reconocimientos, incluida una nominación al Oscar.

La Habana.- “Fresa y Chocolate”, la película cubana que conquistó al mundo con su canto contra la intolerancia, cumple este año dos décadas de éxito convertida en clásico, con homenajes en varios festivales y hasta una versión musical en teatro.

La historia de la compleja e improbable amistad entre David, un estudiante provinciano, comunista y heterosexual, y Diego, un homosexual culto y escéptico en una Cuba homofóbica, conmovió a los espectadores y llenó al filme de reconocimientos.

Entre otros premios, la cinta obtuvo el “Oso de Plata” en el festival de Berlín, el “Goya” en España y la primera y hasta ahora única candidatura al Óscar de Cuba, donde su exhibición atizó el debate contra la intolerancia social, política y cultural en momentos en que el país enfrentaba una grave crisis tras la caída del bloque socialista.

Estrenada en 1993, “Fresa y Chocolate” lanzó la carrera cinematográfica de los actores Jorge Perugorría y Vladimir Cruz, y fue el penúltimo largometraje del destacado realizador cubano Tomás Gutiérrez Alea (1928-1996), que contó con su compatriota Juan Carlos Tabío en la codirección.

El guión del escritor cubano Senel Paz tomó como base su cuento “El lobo, el bosque y el hombre nuevo”, ganador del premio “Juan Rulfo 1990″ de Radio Francia Internacional.

Perugorría, que después de interpretar a Diego se convirtió en el actor cubano más internacional, dijo a que este año los homenajes comenzaron por Estados Unidos, donde ya se recordó la película en el Festival de Cine Latino de San Diego y se organizarán honores en eventos en Nueva York y Chicago.

“‘Fresa y Chocolate’ tiene lo que se llama la magia del cine”, aseveró el intérprete, y recordó que “continúa viva” porque trató el asunto del respeto a “todas las diferencias” y “no hay ningún país que haya podido superar ese tema”.

Según comentó, “siempre se ha hablado de hacer una segunda parte” en la que los protagonistas se reencuentren, aunque lo ve como algo “remoto”.

“Lo que sí ha sucedido es que el propio texto de Senel se ha ido convirtiendo en un clásico y se han hech0 versiones libres, monólogos, obras de teatro, ahora mismo un musical“, explicó Perugorría.

La versión musical homónima será estrenada en abril por el grupo cubano Mefisto Teatro bajo la dirección de Tony Díaz, quien ha dicho a medios locales que su pieza será capaz de sostener “un diálogo intenso” con los públicos actuales.

La actriz Mirtha Ibarra, protagonista femenina del filme con el personaje de Nancy, no duda en afirmar que “el origen de todos los cambios que se han efectuado en la sociedad cubana y que tienen que ver con la tolerancia y el respeto a la libertad del individuo a su elección sexual o religiosa, parten del estreno de la película”.

Ibarra subrayó que “Fresa y Chocolate” también fue “un canto a la amistad y a cómo esta puede hacer crecer espiritual y culturalmente a una persona llena de dogmas y prejuicios y hacerle ver el mundo de una forma más plena”.

Sobre ese legado, el realizador Juan Carlos Tabío observó por su parte que “aunque en los sesenta y setenta se desataran, desde posiciones oficiales, campañas represivas contra los homosexuales (…) la sociedad cubana ha avanzado muchísimo en ese aspecto”.

“Ahora, Diego se va de Cuba no porque su condición de homosexual le haga la vida imposible -manifestó a Tabío- sino porque su actitud contestataria lo coloca en una situación ‘política’ insostenible”.

“No es lo mismo aceptar la diversidad en las preferencias sexuales que en otras zonas de la vida“, opinó.

Fuera del debate social, “Fresa y Chocolate” dejó asimismo varias huellas en el paisaje de La Habana. con su nombre se inauguró en 2002 una cafetería estatal de ambiente bohemio, justo frente a la sede del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos en el céntrico barrio de El Vedado.

Los sitios que le sirvieron de localización se mantienen intactos: “Coppelia”, la heladería donde se conocieron los protagonistas; el mirador de “El Cristo” en la bahía, desde el que Diego se despidió de la ciudad; “La Guarida”, la casa de Diego en el ruinoso edificio en el que también vivía Nancy.

El piso de “La Guarida”, plató principal en la filmación, se convirtió con la apertura económica de los años noventa en un restaurante privado que es actualmente uno de los establecimientos más famosos del país y donde aún se pueden ver elementos del decorado original de la película.

Según Perugorría, los dueños del restaurante “están empeñados” en organizar algunas actividades en el local para recordar el rodaje de “Fresa y Chocolate” en diciembre próximo, coincidiendo con la 35 edición del Festival de Cine de La Habana.

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El libro analiza los vínculos familiares a través de “The Godfather”, de Francis Ford Coppola.

Madrid.- El cine, además de evasión, reflexión y recreo artístico, puede ayudar a tener una vida mejor, o al menos así lo defiende el escritor y periodista especializado en psicología Francesc Miralles en su libro “Cineterapia”, donde a través de 35 películas da las claves de una existencia más satisfactoria.

Con las tarifas que manejan las consultas de psicología, merece la pena intentar esta “Cineterapia“, que edita Oniro del Grupo Planeta, y que solo con películas puede aplacar algunos de los males más corrientes del hombre contemporáneo, como la violencia, a través de “A Clockwork Orange”, de Stanely Kubrick, o los conflictos de fe con “The Seven Seal”, de Ingmar Bergman.

“‘Dersu Uzala’ o el cine de Eric Rohmer funcionaban en un tiempo en el que los espectadores tenían más paciencia y ahora pueden estar bien como efecto relajante. Cuando lo que hay es apatía, depresión, estados melancólicos, a lo mejor necesitas una películas más cañera como ‘Trainspotting’”, asegura Miralles en una entrevista.

“Cineterapia” está lleno no solo de consejos prácticos para la vida, sino de anécdotas cinéfilas jugosas que entretienen por este recorrido entre el celuloide y los estados de ánimo más reconocibles.

¿Está usted intentando superar un desencanto amoroso? Miralles recita “Eternal Sunshine of the Spotless Mind“, de Michel Gondry. “Analiza muy bien por qué pequeños detalles empieza a naufragar una pareja, esa fragmentación de los recuerdos. Plasma perfectamente lo que es un naufragio sentimental, por qué por mucho que se quieran dos personas y lo intenten, a veces pueden más los roces del día a día”, explica.

En esta primera sesión, Miralles ya demuestra que lo suyo no es exactamente la autoayuda, sino que asume como innata la insatisfacción. “El ser humano es un animal que necesita el conflicto permanente, cuando no lo tiene fuera lo tiene dentro. La insatisfacción forma parte de nuestra estructura mental y es la que nos ha hech0 diferenciarnos de los otros animales”, asegura.

Si es usted de los que se quedan paralizados por el miedo, seguramente no ha visto con los ojos de Miralles un clásico popular como “Alien”.

¿Está usted intentando superar un desencanto amoroso? – El libro recomienda: “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”

“El monstruo que tiene en vilo la película apenas se ve unos segundos y eso es muy significativo de cómo suceden las fobias: ni las vemos ni probablemente van a suceder. Ridley Scott captó muy bien la mecánica del miedo”, razona.

Un mal tan cotidiano como el estrés o la saturación de estímulos externos pueden encontrar bálsamo en el cine oriental, en concreto en la cinta coreana “3-Iron”, de Kim Ki-duk.

“Alguien que está estresado, que sufra la intoxicación de Twitter, Facebook, teléfonos y ordenadores, se encuentra con una historia muy sencilla y muy poética sin palabras. Una película que te descarga”, asegura.

Y así, también analiza los mandamientos de la Iglesia Jedi de “Star Wars“, la fuerza del tesón a través de “The Straight Story“, de David Lynch, el elogio al diferente en “Freaks“, de Tod Browning, o los vínculos familiares a través de “The Godfather“, de Francis Ford Coppola.

“Las películas normalmente son analizadas por expertos en cine según sus aspectos técnicos. Hablan de la trayectoria del director, los actores, la fotografía, pero pocas veces se centran los artículos en lo que es la psicología que hay detrás de cada película que, en un nivel básico, se puede aplicar a la vida diaria”.

Y, sobre todo, recuerda cómo “el cine es mucho más absorbente que la novela. Una persona que padezca una depresión importante va a ser difícil que se concentre en una novela. Exige del lector un esfuerzo de atención e imaginación, pero cuando te encierras a oscuras en una sala de cine sabes que te apartas de tu mundo”, concluye.

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